LAS ESCULTURAS DE YAYA TUR EN SANTA EULALIA

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The spring collections have arrived, and as every new season, our windows change their skin. On this occasion the artist Yaya Tur, once again through the interior design company Azul Tierra, presents a series of sculptures that can be seen in the different shop windows of Santa Eulalia and in the inside. The work of the artist aims to evoke different links to fashion creation, taking advantage of the incorporation of the new season collections and complementing them exquisitely.

The connecting thread between each sculpture is the parallelism between the procedure used by the fashion designer and the sculptor. The treatment of line, shape, volume and color are the basic elements of both disciplines, and it is possible to appreciate all of them in each of the sculptor’s pieces.

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The work of the master Cristóbal Balenciaga with his game of volumes, the dynamism of his shapes and his characteristic axis change has been Yaya Tur’s inspiration. He has transported the designer’s drawing and images to other materials with the goal of occupying and new place in time and space. Canons of beauty, relations of measurement, ways of building and precise finishes are in both cases, for the couturier and the sculptor, essential for the final piece.

 

We have had the opportunity to talk with the creator of this spectacular work, who has revealed more details about these pieces that will be exhibited in our shop windows all of the spring/summer 2017 season.

INTERVIEWING YAYA TUR

Tell us about your trajectory, how does one get started in the art world, more specifically through sculpture?

This is the only world I know, I don’t know how to do anything else. Since I was 16, when I entered the School of Arts and Crafts of Valencia, one of my teachers, Evaristo Navarro, sculptor and ceramist, recommend me to go to the Massana School in Barcelona to expand my studies. I arrived to Barcelona in the 90s, pre-Olympics, where I found a melting pot of craftsmanship, art and contemporaneity. Later I graduated in Fine Arts at the Barcelona University.

What type of pieces characterize your work?

My artistic work is focused on sculpture. Through the utilization of diverse materials I build apparently abstract pieces through artisanal and technological processes, based on human figure and nature.

What materials do you tend to use in your sculptures?

Usually my pieces have very different sizes based on my interests for each series and the materials chosen to carry it out. I produce small sculptures in Carrara polychrome marble, with an intimate feel, as well as pieces in a large scale through industrial techniques such as fiberglass and bronze or brass casting.

What inspires you? Is there any recurrent theme or figure that inspires you to create? 

All of my sculptures originate in drawing. Drawings that work as matrices or outlines give way to the volumes of each sculpture. The lines that configure each of these drawings have a close relation to body, gesture and repetition.

What other artists do you consider to have shaped your work, who are your references?

It is clear that the artists from the first half of last century, such as Henry Moore, Brancusi and Hans Arp, are a source of inspiration but currently, architecture, design and fashion influence my work the most.

Where did the concept for the new decoration of Santa Eulalia originate? What did you draw inspiration from to create it?

For the conception of the exposition «Windows» in Santa Eulalia I have worked with Toni Espuch from AzulTierra. We used high fashion, specifically sketches by the Spanish designer Cristóbal Balenciaga, as the starting point. Some of Balenciaga’s contributions to the history of fashion were the introduction of a new silhouette for women, a departure from the establishment, and the creation of designs with fluid lines and surprising volumes.

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«Un bon couturier doit être : architecte pour les plans, sculpteur pour la forme, peintre pour la couleur, musicien pour l’harmonie et philosophe pour la mesure»

«A good couturier must be an architect for designs, a sculptor for the shape, a painter for the color, a musician for the harmony and a philosopher for the measure..»

Cristóbal Balenciaga

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In this way, like the couturier, Yaya Tur has incorporated line and gesture to later transform them into matter and volume. Canons of beauty, relations of measure, ways of building band precise finishes are in both cases essential for the final product.

What materials have you used for the decoration of the shop windows?

I haven’t used fabrics or bodies as a support, but produced the shapes from squaaletons covered in a hard fiberglass skin. The chrome-plated finish to which color is added with a pigmented varnish creates a shiny surface in the pieces that, almost like a mirror, reflect the objects and people around them.

Is there any particular piece that stands out among the ones that will be exhibited in Santa Eulalia?

Yes, I have a favorite… I hope you can discover it.

ABOUT JORDI YAYA TUR

Artist’s biography

Jordi Yaya Tur (Barcelona, 1969) works and lives in Barcelona. He graduated from the University of Barcelona with a degree in Fine Arts and was trained in sculpture and ceramics in Escola Massana, that gave him the end of studies Award in the specialty of sculpture in 1995. He has created many expositions in museums, galleries and art spaces including Espai 13 by the Fundació Joan Miró, La Capella (ICUB) or the CCCB in Barcelona. Between 1998 and 2010 he was the director of ColocoDesign projects, dedicated to producing art pieces for other artists, design furniture and multimedia prototypes.

Since 2014 he is a collaborator artist in AzulTierra.[:ca]17-02-07-SE-APARADORS_013

Les col·leccions de primavera han arribat, i com cada nova temporada, els nostres aparadors canvien de pell. En aquesta ocasió l’artista Yaya Tur, de la mà, un cop més de AzulTierra, presenta una sèrie d’escultures que es poden veure en els diversos aparadors de Santa Eulàlia, així com a l’interior de la boutique. El treball escultòric de l’artista busca evocar diversos enfilades amb l’àmbit de la creació de moda, aprofitant la incorporació de les col·leccions de nova temporada i complementant-les de manera exquisida.

El fil conductor entre les diverses escultures és el paral·lelisme entre els procediments que empra el dissenyador de moda i l’escultor. Tant el tractament de la línia, la forma, el volum com el color són elements configuradors de les dues disciplines, podent-se apreciar en cadascuna de les obres de l’escultor.

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La genial obra del mestre Cristóbal Balenciaga amb el seu joc de volums, el dinamisme de les formes i un característic canvi d’eix ha estat la inspiració de Yaya Tur, que ha transportat esbossos i imatges del modista en altres materials per tal d’ocupar un nou lloc en el temps i l’espai. Cànons estètics, relacions de mesura, maneres de construcció i precisos acabats són en tots dos casos, el del couturier i el de l’escultor, imprescindibles per donar lloc a la peça final.

Hem tingut l’oportunitat de xerrar amb el creador de tan espectacular treball, qui ens ha revelat més detalls sobre aquesta obra que estarà en exhibició en els nostres aparadors durant tota la temporada primavera-estiu 2017.

ENTREVISTA A YAYA TUR

Expliqueu-nos una mica sobre la seva trajectòria, com s’inicia en el món de l’art i de l’escultura en particular?

Aquest és l’únic món que conec, no sé fer una altra cosa. Des dels 16 anys que vaig entrar en arts i oficis de València, un dels meus professors, Evaristo Navarro, escultor i ceramista, em va recomanar que vingués a Barcelona a l’escola Massana a ampliar els meus estudis. Vaig arribar a la Barcelona dels 90, pre-olimpíades on em vaig trobar un gresol d’artesania, art i contemporaneïtat. Més tard em vaig llicenciar en Belles Arts per la Universitat de Barcelona.

Quin tipus d’obra és la que caracteritza el seu treball?

El meu treball artístic se centra especialment en l’àmbit de l’escultura. Mitjançant la utilització de materials diversos construeixo obres aparentment abstractes per mitjà de processos artesanals i tecnològics, basats en la figura humana i la natura.

Quins materials sol usar per crear les seves escultures?

Generalment les meves peces escultòriques tenen mides molt diversos que van en funció dels interessos de cada sèrie i els materials seleccionades per dur-la a terme. Desenvolupo tant escultures en petit format en marbre de Carrara policromat, que posseeixen un caràcter intimista, així com peces volumètriques de gran format a través de tècniques d’ús industrial com la fibra de vidre i la fosa de bronze o llautó.

 En què s’inspira? Té algun tema o figura recurrent en la qual es inspiri per crear?

Totes les meves escultures generalment parteixen del dibuix. Dibuixos que funcionen com a matrius o esquemes i que donen pas als volums de cada escultura. Les línies que configuren cada un d’aquests dibuixos mantenen una forta relació amb el cos, el gest i la repetició.

 Quins altres artistes considera que han influït en la seva obra, qui són els seus referents?

Està clar que els artistes de la meitat del segle passat, des Henry Moore, Brancusi, Hans Arp, són una font d’inspiració però actualment, l’arquitectura, el disseny, la moda, influeixen en el meu treball.

D’on sorgeix el concepte per als nous aparadors de Santa Eulàlia? ¿En què s’ha inspirat per crear-los?

Per a la Concepció de l’exposició «Windows» a Santa Eulalia he treballat conjuntament amb Toni Espuch de AzulTierra. Hem pres com a punt de partida l’alta costura i en va concretar Esbossos del modista espanyol Cristóbal Balenciaga. Algunes de les aportacions de Balenciaga a la història de la moda van ser la introducció d’una nova silueta per a la dona, marcada per una ruptura amb tot allò establert, i la creació de dissenys proveïts de línies fluides i volums sorprenents.

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«Un bon couturier doit être : architecte pour les plans, sculpteur pour la forme, peintre pour la couleur, musicien pour l’harmonie et philosophe pour la mesure»

«Un bon modista ha de ser arquitecte per al disseny, escultor per la forma, pintor per al color, músic per a l’harmonia i filòsof per la mesura.»

Cristóbal Balenciaga

D’aquesta manera, i igual que el modista, s’ha incorporat línia i gest per convertir-los posteriorment en matèria i volum. Cànons estètics, relacions de mesura, maneres de construcció i precisos acabats són en tots dos casos, el del couturier i el de l’escultor, imprescindibles per donar lloc a la peça final.

Quins materials ha fet servir per a la decoració dels aparadors?

No he utilitzat teixits per modelar, ni cossos com a suport, sinó que he produït les formes en base a esquelets recoberts d’una pell dura de fibra de vidre. D’altra banda, la rematada cromat de cada peça al qual s’incorpora color a través de vernís pigmentat origina una superfície brillant en les obres que, gairebé a manera de mirall, reflecteixen els objectes i persones que les envolten.

Hi ha alguna peça en particular que destaqui d’entre les que s’exhibiran dins dels aparadors?

Si, tinc una preferida …. espero que sapigueu descobrir-la.

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SOBRE JORDI YAYA TUR

Biografia de l’artista

Biografia del artistaJordi Yaya Tur (Barcelona, 1969) viu i treballa a Barcelona. Llicenciat i DEA en Belles Arts per la Universitat de Barcelona i format en escultura i ceràmica a l’Escola Massana, que li va atorgar el Premi final de carrera en l’especialitat d’escultura en 1995. Ha realitzat nombroses exposicions a museus, galeries i espais d’art d’entre els quals destaquen l’Espai 13 de la Fundació Joan Miró, La Capella (ICUB) o el CCCB a Barcelona. Entre 1998 i 2010 va ser director de projectes de ColocoDesign, dedicat a la producció de peces d’art per a altres artistes, mobiliari de disseny i prototips multimèdia.

Des 2014 és artista col·laborador en AZULTIERRA.[:es]17-02-07-SE-APARADORS_013

Las colecciones de primavera han llegado, y como cada nueva temporada, nuestros escaparates cambian de piel. En esta ocasión el artista Yaya Tur, de la mano, una vez más de Azul Tierra, presenta una serie de esculturas que pueden verse en los diversos escaparates de Santa Eulalia, así como en el interior de la boutique. El trabajo escultórico del artista busca evocar diversos engarces con el ámbito de la creación de moda, aprovechando la incorporación de las colecciones de nueva temporada y complementándolas de manera exquisita.

El hilo conductor entre las varias esculturas es el paralelismo entre los procedimientos que emplea el diseñador de moda y el escultor. Tanto el tratamiento de la línea, la forma, el volumen como el color son elementos configuradores de ambas disciplinas, pudiéndose apreciar en cada una de las obras del escultor.

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La genial obra del maestro Cristóbal Balenciaga con su juego de volúmenes, el dinamismo de las formas y un característico cambio de eje ha sido la inspiración de Yaya Tur, quien ha transportado bocetos e imágenes del modisto en otros materiales con el fin de ocupar un nuevo lugar en el tiempo y el espacio. Cánones estéticos, relaciones de medida, modos de construcción y precisos acabados son en ambos casos, el del couturier y el del escultor, imprescindibles para dar lugar a la pieza final.

Hemos tenido la oportunidad de charlar con el creador de tan espectacular trabajo, quien nos ha revelado más detalles acerca de esta obra que estará en exhibición en nuestros escaparates durante toda la temporada primavera-verano 2017.

ENTREVISTA A YAYA TUR

 Cuéntenos un poco acerca de su trayectoria, ¿cómo se inicia en el mundo del arte y de la escultura en particular?

Este es el único mundo que conozco, no sé hacer otra cosa. Desde los 16 años que entré en artes y oficios de Valencia, uno de mis profesores, Evaristo Navarro, escultor y ceramista, me recomendó que viniera a Barcelona a la escuela Massana a ampliar mis estudios. Llegué a la Barcelona de los 90, pre-olimpiadas donde me encontré un crisol de artesanía, arte y contemporaneidad. Más tarde me licencié en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona.

¿Qué tipo de obra es la que caracteriza su trabajo?

Mi trabajo artístico se centra especialmente en el ámbito de la escultura. A través de la utilización de materiales diversos construyo obras aparentemente abstractas por medio de procesos artesanales y tecnológicos, basados en la figura humana y la naturaleza.

¿Qué materiales suele usar para crear sus esculturas? 

Generalmente mis piezas escultóricas tienen tamaños muy diversos que van en función de los intereses de cada serie y los materiales seleccionadas para llevarla a cabo. Desarrollo tanto esculturas en pequeño formato en mármol de Carrara policromado, que poseen un carácter intimista, así como piezas volumétricas de gran formato a través de técnicas de uso industrial como la fibra de vidrio y la fundición de bronce o latón.

 ¿En qué se inspira?¿Tiene algún tema o figura recurrente en la cual se inspire para crear?

 Todas mis esculturas generalmente parten del dibujo. Dibujos que funcionan como matrices o esquemas y que dan paso a los volúmenes de cada escultura. Las líneas que configuran cada uno de estos dibujos mantienen una fuerte relación con el cuerpo, el gesto y la repetición.

 ¿Qué otros artistas considera que han influido en su obra, quiénes son sus referentes?

Está claro que los artistas de la mitad del siglo pasado, desde Henry Moore, Brancusi, Hans Arp, son una fuente de inspiración pero actualmente, la arquitectura, el diseño, la moda, influyen en mi trabajo.

¿De dónde surge el concepto para los nuevos escaparates de Santa Eulalia? ¿En qué se ha inspirado para crearlos?

Para la concepción de la exposición «Windows» en Santa Eulalia he trabajado conjuntamente con Toni Espuch de AzulTierra. Hemos tomado como punto de partida la alta costura y en concreto bocetos del modisto español Cristóbal Balenciaga. Algunas de las aportaciones de Balenciaga a la historia de la moda fueron la introducción de una nueva silueta para la mujer, marcada por una ruptura con todo lo establecido, y la creación de diseños provistos de líneas fluidas y volúmenes sorprendentes.

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«Un bon couturier doit être : architecte pour les plans, sculpteur pour la forme, peintre pour la couleur, musicien pour l’harmonie et philosophe pour la mesure»

«Un buen modisto debe ser arquitecto para el diseño, escultor para la forma, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo para la medida.»

Cristóbal Balenciaga

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 De este modo, y al igual que el modisto, se ha incorporado línea y gesto para convertirlos posteriormente en materia y volumen. Cánones estéticos, relaciones de medida, modos de construcción y precisos acabados son en ambos casos, el del couturier y el del escultor, imprescindibles para dar lugar a la pieza final.

¿Qué materiales ha usado para la decoración de los escaparates?

 No he utilizado tejidos para modelar, ni cuerpos como soporte, sino que he producido las formas en base a esqueletos recubiertos de una piel dura de fibra de vidrio. Por otro lado, el remate cromado de cada pieza al que se incorpora color a través de barniz pigmentado origina una superficie brillante en las obras que, casi a modo de espejo, reflejan los objetos y personas que las rodean.

¿Hay alguna pieza en particular que destaque de entre las que se exhibirán dentro de los escaparates?

Si, tengo una preferida…. espero que sepáis descubrirla.

ACERCA DE JORDI YAYA TUR

Biografía del artista

Jordi Yaya Tur (Barcelona, 1969) vive y trabaja en Barcelona. Licenciado y DEA en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y formado en escultura y cerámica en Escola Massana, que le otorgó el Premio final de carrera en la especialidad de escultura en 1995. Ha realizado numerosas exposiciones en museos, galerías y espacios de arte de entre los que destacan el Espai 13 de la Fundació Joan Miró, La Capella (ICUB) o el CCCB en Barcelona. Entre 1998 y 2010 fue director de proyectos de ColocoDesign, dedicado a la producción de piezas de arte para otros artistas, mobiliario de diseño y prototipos multimedia.

Desde 2014 es artista colaborador en AZULTIERRA.[:]

Santa Eulalia Barcelona, donde el lujo es una experiencia desde 1843

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Recordar es vivir. Y recordar los inicios de una tienda como Santa Eulalia, que tiene el honor de ser el comercio textil más antiguo de Barcelona, es definitivamente volver a vivir la historia. Cuatro generaciones y un sinfín de eventos han pasado por esta prestigiosa tienda de moda. Hoy en nuestro magazine, recordamos sus primeras décadas, cimientos de la filosofía y el espíritu que la han caracterizado desde siempre.

La historia de Santa Eulalia se remonta a 1843, cuando Josep Taberner junto a su hijo Salvador, inauguran la primera tienda de costura y artículos textiles en la calle Plà de la Boqueria. Eran los tiempos en los que en la ciudad de Barcelona aún se alzaban las murallas alrededor de la antigua ciudad, siendo derribadas con la autorización de Isabel II en 1854.

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El nombre de almacenes Santa Eulalia nace primero de manera popular, cuando en 1859, Domingo Taberner decide trasladar la tienda a un local de mayor tamaño. La tradición barcelonesa situaba en ese mismo sitio un antiguo portal donde se alzaba la ermita que marcaba el martirio de Santa Eulalia, patrona de Barcelona. Fue entonces cuando, este ya afamado local empezó a ser denominado por los barceloneses como “Almacenes Santa Eulalia”. En ese tiempo, el local ya gozaba de buena reputación como tienda de moda y sastrería de alta costura.

Los ‘Grandes Almacenes Santa Eulalia’

El mundo entraba en un nuevo siglo y los ya oficialmente conocidos como “Grandes Almacenes Santa Eulalia” lo iniciaban convirtiéndose en uno de los más grandes y de mayor surtido de la ciudad Condal. Taberner decide construir, en la misma ubicación, un nuevo edificio con varias plantas, mucho más grande y señorial que el anterior. El mismísimo Pere Falqués, arquitecto modernista creador de las farolas del Paseo de Gracia fue el encargado de supervisar el permiso para dichas obras.

Los almacenes, siempre visionarios, empiezan a importar modelos directamente de París, ya entonces capital de la moda europea, y los ofrecen en la recién inaugurada sección de confección para mujer. Gracias a esto, las mujeres de la burguesía catalana convierten los Almacenes Santa Eulalia en un lugar de referencia en cuanto a moda de mujer se refiere, además de la ya merecida reputación como sastrería para hombre.

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En 1908 el sr. Lorenzo Sans Vidal, propietario de Las Columnas, otro almacén textil con años de trayectoria, se une al sr. Taberner como socio, siendo su hijo, Luis Sans Marcet quien se encargue del negocio, con sólo 22 años de edad, hasta su muerte. Con el ánimo característico de la juventud, y el gran legado de la tradición textil, el nuevo propietario lanza los almacenes de lleno en el siglo XX y a una nueva e innovadora etapa que situaría a este gran negocio en el mapa de la moda como no se había hecho antes.[:ca]hist-image-3

Recordar és viure. I recordar els inicis d’una botiga com Santa Eulàlia, que té l’honor de ser el comerç tèxtil més antic de Barcelona, és definitivament tornar a viure la història. Quatre generacions i una infinitat d’esdeveniments han passat per aquesta prestigiosa botiga de moda. Avui en el nostre magazine, recordem les seves primeres dècades, fonaments de la filosofia i l’esperit que l’han caracteritzat des de sempre.

La història de Santa Eulalia es remunta a 1843, quan Josep Taberner amb el seu fill Salvador, inauguren la primera botiga de costura i articles tèxtils al carrer Pla de la Boqueria. Barcelona encara estava envoltada de les antigues muralles, sent enderrocades amb l’autorització d’Isabel II el 1854.

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El nom de magatzems Santa Eulalia neix primer de manera popular, quan en 1859, Domingo Taberner decideix traslladar la botiga a un local més gran. La tradició barcelonina situava en aquest mateix lloc un antic portal on s’alçava l’ermita que marcava el martiri de Santa Eulàlia, patrona de Barcelona. Va ser llavors quan, aquest ja famós local va començar a ser denominat pels barcelonins com «Magatzems Santa Eulàlia». En aquest temps, el local ja gaudia de bona reputació com a botiga de moda i sastreria d’alta costura.

Els ‘Grans Magatzems Santa Eulalia’

El món entrava en un nou segle i els ja oficialment coneguts com «Grans Magatzems Santa Eulalia» el iniciaven convertint-se en un dels més grans i de major mostra de la ciutat Comtal. Taberner decideix construir, en la mateixa ubicació, un nou edifici amb diverses plantes, molt més gran i senyorial que l’anterior. El mateix Pere Falqués, arquitecte modernista creador dels fanals del passeig de Gràcia va ser l’encarregat de supervisar el permís per a aquestes obres.

Els magatzems, sempre visionaris, comencen a importar models directament de París, ja llavors capital de la moda europea, i els ofereixen a la recent inaugurada secció de confecció per a dona. Gràcies a això, les dones de la burgesia catalana converteixen els Magatzems Santa Eulalia a un lloc de referència pel que fa a moda de dona, a més de la ja merescuda reputació com sastreria per a home.

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El 1908 el sr. Lorenzo Sans Vidal, propietari de Las Columnas, un altre magatzem tèxtil amb anys de trajectòria, s’uneix al sr. Taberner com a soci, sent el seu fill, Luis Sans Marcet qui s’encarregui del negoci, amb només 22 anys d’edat, fins a la seva mort. Amb l’ànim característic de la joventut, i el gran llegat de la tradició tèxtil, el nou propietari llança els magatzems de ple en el segle XX, a una nova i innovadora etapa que situaria a aquest gran negoci al mapa de la moda com no ho havia fet mai.[:en]hist-image-3

To remember is to live again. And to remember the beginnings of a boutique like Santa Eulalia, which has the honor of being the oldest textile business of Barcelona, is certainly living history again. Four generations and countless events have passed by this prestigious fashion store. Today on our magazine, we take a look back at its first decades, foundations of the philosophy and the spirit that have defined its legacy from the beginning.

The history of Santa Eulalia dates back to 1843, when Josep Taberner along his son Salvador, open the first sewing and textile shop on a street called Plà de la Boqueria, in the heart of Barcelona. It was a time when the city was still surrounded by its old walls, which were not demolished until 1854 by order of queen Isabel II.

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The name of «Almacenes Santa Eulalia« was first born among the general public, when in 1859, Domingo Taberner decides to relocate the store to larger sized premises. The tradition in Barcelona located in that same place the antique shrine that marked the agony of Santa Eulalia, patron saint of Barcelona. It was then when, the people of the city started to call this now famed store as «Almacenes Santa Eulalia». During that time, the store already enjoyed good reputation as a fashion and haute-couture tailor shop.

‘Santa Eulalia Department Store’

The world was stepping into a new century, and the now officially named «Grandes Almacenes Santa Eulalia» were entering it as one of the greatest and with the largest selection in the city. Taberner decides to build, in the same location, a new building with several floors, larger and more stately than the previous premises. The renowned, modernist architect Pere Falqués, creator of the lanterns on Paseo de Gracia was in charge of supervising the construction permits.

The always visionary store, started to bring designs directly from Paris, the already fashion capital of Europe, and to offer them in the recently inaugurated women’s section. Thanks to this, the women of the Catalan bourgeoisie turned Santa Eulalia into a reference store in women’s fashion, in addition to the already gained reputation as a fine tailoring shop for men.

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In 1908 Mr. Lorenzo Sans Vidal, owner of Las Columnas, another textile store with a well-established experience, joins Mr. Taberner as a partner, and his son, Luis Sans Marcet takes over the business with only 22 years old, and until his father’s death. With the characteristic drive that youth brings and the great legacy in textile tradition, the new owner launches the store fully into the 20th century and a new and innovative stage that will place this great business in the fashion map as never before.[:]

BALENCIAGA, LOS NUEVOS AIRES DE ‘LA MAISON’

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2016 has been a year of changes for Balenciaga. After the retirement of Alexander Wang, the maison announced that the pragmatic Demna Gvasalia will be the new creative director. Isabelle Guichot, president and executive director of the firm announced it this way: «we wanted someone with a vision, someone capable of reorganizing things». Gvasalia, after entering Maison Margiela in 2009, and after being the designer in charge of the women´s collections of Louis Vuitton under the direction of Marc Jacobs, arrives to Balenciaga with an enviable background. The designer of Georgian origin is also leader of the brand Vêtements, finalist of the LVMH award to emerging talent, which demonstrates the great creative genius of the creator.

Balenciaga´s keys: new materials and structured pieces

To understand a firm as complex as this one, it might be necessary to look at its past, starting with its founder, the master Cristóbal Balenciaga. The designer was characterized by, besides his creative power and brilliance well ahead of his time, his discretion. In contrast to other modernists from his time like Coco Chanel or Christian Dior, Balenciaga never looked for fame or becoming a public personality.

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The designer always bet for minimalism. The use of new materials and the structure of his pieces were always the keys to his success. His impact has been such that even great figures such as Oscar de la Renta, Givenchy or Ungaro admitted the influence of Balenciaga in their own creations. In 1968, the designer decided to retire and close his store in Paris and the decade of the 90s was marked by a strong effort to bring back the greatness of the brand.

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The true rebirth of Balenciaga only took place with the arrival of Nicolás Ghesquière who, being only 24 years old, set off to revolutionize the firm. The designer kept the innovative spirit of the master, playing with shapes and volumes. His 2008 pieces including the famous gladiator sandals became instantaneous successes inside and outside of the fashionista and tredsetter world. The designer renewed the image of Balenciaga radically, while remaining true to its legacy. At the end of 2012 Ghesquière leaves the firm and Alexander Wang comes in, who was also creator of very succesful collections.

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The revulsive change of Demna Gvasalia

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With the arrival of Demna Gvasalia and his first collection last August, a new group of admirers of his work is born. In his prêt-à-porter collection he exploits the relation between the body, the materials and the shapes with a touch of fetishism, something that Balenciaga also explored in his time. Floral prints in a colorful palette, neon tones, leggin-boots and peplum tops tight at the waist, complemented with coats and jackets with XXL shoulders where the mission of the designer can be seen: making strong and defined silhouettes the key of his creations and bringing back Balenciaga´s legacy that resides in pieces with impeccable lines and clean cuts.

For spring 2017, Demna presented a man´s collection inspired in a coat that Balenciaga was making for himself, that had a sleeve missing and was never finished. A collection of unexpected shapes, full of broad shoulders in contrast to rather tight shorts. This contrast is very distinctive ofthe firm´s founder, who was a pioneer in the use and appreciation of oversized shapes.

Balenciaga RTW Spring 2017

For the resort collection, the designer presents clothing that evokes holidays at the beach, in some exotic destination, perhaps in the north of Africa. The caps, black and white, presented in each of the looks and that will likely become the «it» accesories of the season, proudly exhibit the brand´s logo in the front. The star print: stripes; in soft tones like cherry red and light blue and in balck and white. Clothing that presents infinite silhouettes, with almost acrobatic cuts, like the long-sleeves shirts with side slits that we are likely to see in many outfits among fashionistas.

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What is obvious is the undeniable talent of the designer; a talent that has in its DNA the immediate sense of contemporaneity and modernity characteristic of the firm. A talent that will be closely watched, but will bring a new air to a brand as legendary as Balenciaga.[:ca]o-MUSEO-BALENCIAGA-facebook

2016 ha estat un any de canvis per Balenciaga. Després de la sortida d’Alexander Wang, la Maison anunciava que el pragmàtic Demna Gvasalia seria el seu nou director creatiu. Isabelle Guichot, presidenta i directora executiva de la marca així ho expressava: «volíem algú que tingués visió, algú capaç de reorganitzar les coses». Gvasalia, després d’entrar a Maison Margiela el 2009, i després de ser el dissenyador encarregat de les col·leccions femenines de Louis Vuitton sota el comandament de Marc Jacobs, arriba a Balenciaga amb un bagatge envejable. El dissenyador d’origen georgià també és líder de la signatura Vêtements, finalista del premi LVMH al talent emergent, el que demostra el gran geni del creador.

Les claus de Balenciaga: nous materials i peces estructurades

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Per entendre una signatura tan complexa com aquesta, potser caldria fer una ullada al seu passat. Començant pel seu fundador, el mestre Cristóbal Balenciaga, qui es va caracteritzar, a més de pel seu gran poder de creació, per la seva discreció. A diferència d’altres modernistes de la seva època com Coco Chanel o Christian Dior, Balenciaga mai va buscar la fama ni ser un personatge públic.

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El dissenyador sempre ha apostat pel minimalisme. L’ús de nous materials i l’estructura de les seves peces, sempre van ser les claus del seu èxit. El seu impacte ha estat i va ser tal que fins i tot grans del disseny com Oscar de la Renta, Givenchy o Ungaro van reconèixer la influència de Balenciaga en les seves pròpies creacions. El 1968, el dissenyador decideix retirar-se i tancar la seva botiga a París i la dècada dels 90 ‘s es va caracteritzar per un marcat intent de portar de tornada la grandiositat de la marca.

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Però el veritable renaixement de Balenciaga va tenir lloc amb l’arribada de Nicolas Ghesquière qui, amb tot just 24 anys, es va proposar revolucionar la signatura. El dissenyador va mantenir l’esperit innovador del mestre, jugant amb formes i volums. Les seves peces de la temporada 2008 incloses les famoses sandàlies ‘gladiadoras’, es van convertir en èxits instantanis dins i fora del món fashionista i trendsetter. El dissenyador es va dedicar a renovar de manera radical la imatge de Balenciaga, això sí, sempre fidel al seu llegat. A la fi de 2012 Ghesquière deixa la signatura i entra l’americà Alexander Wang, qui també va ser artífex de col·leccions de gran acollida.

El revulsiu canvi de Demna Gvasalia

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Amb l’arribada de Demna Gvasalia i la seva primera col·lecció el passat octubre, neix un nou grup d’admiradores del seu treball. En la seva col·lecció prêt-à-porter explota la relació entre el cos i els materials, amb un toc de fetitxisme, cosa que també Cristóbal Balenciaga va explorar en el seu temps. Estampats florals en una acolorida paleta, tons neó, botes-leggings i tops peplum ajustats a la cintura, complementats amb abrics i jaquetes d’espatlles XXL en què es pot veure la clara missió del dissenyador: fer de l’ús de siluetes fortes i definides la clau de les seves creacions.

Balenciaga RTW Spring 2017

Per a la col·lecció resort, el dissenyador ha presentat peces que evoquen unes vacances a la platja, a alguna destinació exòtica del nord d’Àfrica, qui sap? Les gorres, blanques i negres, presentades en cada un dels looks i que segurament es convertiran en l’accessori ‘it’ de la temporada, exhibeixen orgullosament el logotip de la marca al front.  L’estampat estrella: les ratlles; en tons dolços com el vermell cirera i el blau clar i en blanc i negre, com no podia faltar. Peces que es presenten en una infinitat de siluetes, amb talls gairebé acrobàtics, com les camises amb mànigues llargues i obertures als costats i que segurament veurem en una infinitat d’estilismes entre les més fashionistas.

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El que està clar, és que el dissenyador pren influència de la seva pròpia col·lecció per Vêtements, amb les formes oversize i l’esperit urbà. Un talent que segurament serà vigilat molt de prop però que sens dubte portarà nous aires a una marca tan mítica com ho és Balenciaga.[:es]o-MUSEO-BALENCIAGA-facebook

2016 ha sido un año de cambios para Balenciaga. Después de la salida de Alexander Wang, la maison anunciaba que el pragmático Demna Gvasalia sería el nuevo director creativo. Isabelle Guichot, presidenta y directora ejecutiva de la marca lo expresaba así: «queríamos a alguien con visión, alguien capaz de reorganizar las cosas». Gvasalia, después de entrar a Maison Margiela en 2009, y después de ser el diseñador encargado de las colecciones femeninas de Louis Vuitton bajo el mando de Marc Jacobs, llega a Balenciaga con un bagaje envidiable. El diseñador de origen georgiano tambien es líder de la marca Vêtements, finalista del premio LVMH al talento emergente, lo cual demuestra el gran genio del creador.

Las claves de Balenciaga: nuevos materiales y piezas estructuradas

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Para entender una firma tan compleja como ésta, podría hacer falta echar una ojeada a su pasado. Empezando por su fundador, el maestro Cristóbal Balenciaga, que se va a caracterizar, además de por su gran poder de creación, por su discreción. A diferencia de otros modernistas de su época como Coco Chanel o Christian Dior, Balenciaga no busca la fama ni ser un personaje público.

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El diseñador siempre ha apostado por el minimalismo. El uso de nuevos materiales y la estructura de sus piezas siempre van a ser las claves de su éxito. Su impacto ha sido y seguirá siendo tal que grandes del diseño como Óscar de la Renta, Givenchy o Ungaro van a reconocer la influencia de Balenciaga in sus propias creaciones. En 1968, el diseñador decide retirarse y cerrar su tienda en París y la década de los 90 se caracteriza por un marcado intento de traer de vuelta la grandiosidad de la marca.

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Pero el verdadero renacimiento de Balenciaga tiene lugar con la llegada de Nicolas Ghesquière quién, con solo 24 años, propone revolucionar la firma. El diseñador mantiene el espíritu innovador del maestro, jugando con formas y volúmenes. Sus piezas de la temporada 2008 incluyen las famosas sandalias «gladiadoras», que se convierten en un éxito instantáneo dentro y fuera del mundo fashionista y trendsetter. El diseñador se dedica a renovar de forma radical la imagen de Balenciaga, eso sí, siempre fiel a su legado. Al final de 2012 Ghesquière deja la firma y entra el americano Alexander Wang, que también va a ser artífice de colecciones de gran acogida.

El revulsivo cambio de Demna Gvasalia

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Con la llegada de Demna Gvasalia y su primera colección el pasado octubre, nace un nuevo grupo de admiradores de su trabajo. En su colección prêt-à-porter explota la relación entre el color y el material, con un toque de fetichismo, cosa que Cristóbal Balenciaga también exploró en su día. Estampados florales en una colorida paleta, tonos neón, botas-leggings y tops peplum ajustados a la cintura, complementados con abrigos y chaquetas de hombros XXL donde se puede ver la clara misión del diseñador: hacer de las siluetas fuertes y definidas la clave de sus creaciones.

Balenciaga RTW Spring 2017

Para la colección resort, el diseñador ha presentado prendas que evocan unas vacaciones en la playa, en algún destino exótico en el norte de África, tal vez. Las gorras, blancas y negras, presentadas en cada uno de los looks y que seguramente se convertirán en el accesorio ‘it’ de la temporada, exhiben orgullosamente el logotipo de la marca al frente. El estampado estrella: las rayas; en tonos dulces como el rojo cereza y el azul claro y en blanco y negro, como no podía faltar. Prendas que se presentan en un sinfín de siluetas, con cortes casi acrobáticos, como las camisas con mangas largas y aberturas a los lados y que seguramente veremos en un sinfín de estilismos entre las más fashionistas.

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Lo que está claro, es el innegable talento del diseñador; un talento que tiene en su ADN el sentido de inmediatez de contemporaneidad y modernidad propio de la firma. Un talento que sin duda será vigilado muy de cerca, pero que traerá nuevos aires a una marca tan mítica como lo es Balenciaga.[:]

Los Secretos del Traje de Novio

[:es]trajes de novio barcelona

Un matrimonio siempre es motivo de alegría. Desde tiempos ancestrales es un día festivo que los novios, sus padres, familiares y amigos convierten en un acontecimiento inolvidable. Escoger bien el lugar de la celebración, las fotos, el ramo, el ambiente o el menú… Hay multitud de detalles a tener en cuenta, y el traje de novio es uno de los más importantes. Debe estar en consonancia con el estilo de boda que se pretende, el lugar donde se celebra y con la época del año. No es lo mismo una boda civil que una religiosa, casarse en la ciudad o en el campo. Y es bueno saber que existen ciertas reglas que conviene seguir. Es el novio quien marca el protocolo.

 

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La decisión del novio marca al resto de invitados

Es el novio quien, al escoger el tipo de prenda que va a llevar, va a marcar el protocolo de la boda y por tanto como deberían vestir los padres de los contrayentes y el resto de invitados. Aunque actualmente ya no se suele imponer a los invitados la etiqueta de un modo riguroso, sí es conveniente que se indique en la invitación a modo de guía. Es importante que la sigan los padres de los novios, los testigos y los asistentes más allegados.

Por tanto es aconsejable en la invitación indicar “Traje oscuro”, “Chaqué” o “Etiqueta”. También se puede optar por fórmulas flexibles al estilo  “Chaqué o traje”, o bien, “Etiqueta o traje oscuro”.

El novio también puede optar por vestir de chaqué y en la invitación mencionar únicamente traje oscuro. De este modo, se evita comprometer al resto de invitados. Basta con informar sólo a los más allegados de que preferiblemente lleven chaqué también.

El novio escogerá su atuendo en función del estilo de la boda, si es formal o informal, religiosa o civil, en la ciudad, en el campo o incluso a pie de playa, en un lugar abierto o cerrado.

La distinción del chaqué

Nace en Inglaterra en el XVII y su nombre proviene del francés jaquette. Al principio, se confeccionaba en colores variados y se llevaba con bordados. A mediados del XIX, fruto del puritanismo inglés bajo el reinado de la reina Victoria, aparece en su forma actual más sobria. La versión inglesa, la más utilizada internacionalmente, exige que la chaqueta sea en negro. Sin embargo, en la francesa, la chaqueta es en color gris marengo. Si en una boda quieren llevarse las dos versiones, es conveniente que el novio y el padre de la novia lleven el gris marengo dejando el negro para el resto de asistentes.

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En ambas versiones el chaleco, indispensable en el chaqué de novio, puede ser recto o cruzado, gris perla, beige o crudo, aunque puede optarse por versiones más atrevidas en tonos pastel. En el chaqué negro puede llevarse también un chaleco del mismo género con un ribete de piqué blanco, aunque debiera reservarse para ceremonias solemnes. Conviene ser evitado por tanto en bodas, en especial por parte del novio.

En los meses de verano y en bodas con fiestas al aire libre o en carpas, el chaleco puede ser de lino. En este caso será beige, crudo o bien de algún tono pastel, opción sin duda más sugerente pero igualmente elegante. El pantalón del chaqué debe ser de rayas, aunque en adolescentes es más correcto usar una franela gris medio.

La camisa debe ser blanca, de cuello normal y puño doble de gemelo acompañándose de corbata y siempre con tirantes. Por lo tanto, prescindiremos del cinturón. Los zapatos serán únicamente negros y de cordones, preferentemente oxford antes que derby. El modelo Oxford es el más elegante y se caracteriza por cerrar a la perfección cuando está abrochado, de forma que sólo se ve la parte superior de la lengüeta. Sin embargo, en el modelo Derby, las dos cañetas se abrochan dejando una distancia entre ambas por donde se ve la lengüeta. A pesar de ello, es más cómodo para quien tenga un empeine alto.

Si queremos ser ortodoxos el chaqué es una prenda que debe utilizarse en ceremonias que tengan lugar por la mañana. Sin embargo, su uso social se ha extendido, siendo perfectamente aceptable usarla por la tarde. Existe otra versión donde las tres piezas están realizadas en gris medio pero debe usarse exclusivamente por la mañana. Si el novio quisiera usar el chaqué en la ceremonia de su boda, es aconsejable que los invitados más allegados, en especial los padres de los contrayentes y testigos, también lo lleven. Los demás invitados pueden igualmente usarlo o llevar un traje oscuro.

 

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Máxima etiqueta: el frac

El frac es el traje masculino de máxima etiqueta y quizás el más elegante. Al igual que el chaqué, adopta su forma y color negro definitivo a mediados del S. XIX en Inglaterra. Se debe usar cuando el protocolo lo requiera. En la invitación constará rigurosa etiqueta, frac o white tie.

En Catalunya, al igual que en otras partes de Europa, existe una larga tradición de utilizarlo en bodas. Deberá ser una ceremonia de tarde/noche, preferentemente en la ciudad y en un local cerrado, es decir que no sea al aire libre o en una carpa. Es aconsejable que los padres de los novios vayan igualmente de frac, mientras que el resto de invitados puede ir de frac, esmoquin o de traje oscuro. En una misma ceremonia nunca se mezclarán chaqués y fracs.

El frac se lleva con chaleco y pajarita de piqué blanco. La camisa será blanca con pechera de piqué y botonadura especial, puño de gemelo y cuello de aleta. Se lleva igualmente con tirantes y los zapatos serán negros de cordones modelo oxford. Pueden llevarse escarpines de charol, pero su uso ha decaído. En actos académicos el chaleco debe ser negro al igual que el lazo.

El smoking, vestidos para la fiesta

Es la prenda apropiada para fiestas y celebraciones de noche. En la invitación constará smoking, etiqueta o black tie. Aparece en 1886 en el club del Tuxedo Park de Nueva York vestido por el dandy Griswold Lorillard, Grizzy.

 

Smoking: los americanos lo llaman  tuxedo y los ingleses dinner jacket.

 

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La forma original era con solapas en punta y en los años mil novecientos treinta apareció la versión de solapa chal. No necesita chaleco si es cruzado, pero si es recto debe llevarse con faja o con chaleco, que puede ser del mismo tejido que la chaqueta o de fantasía. La faja debe llevarse siempre con los pliegues hacia arriba. Lazo y faja deben ser negros y si son de otro color, ambos deben ser iguales.

Se viste con camisa blanca de puño doble de gemelo, con botonadura especial, con cuello de aleta o normal. Normalmente el esmoquin se realiza en negro aunque puede hacerse en azul noche. El primer smoking azul noche fue llevado en los años 1920 por el entonces futuro duque de Windsor. Como él mismo lo definió, con la luz artificial resulta más negro que el propio negro. El esmoquin de chaqueta blanca queda reservado para fiestas de verano al aire libre o para cruceros. Si la boda es religiosa, el novio nunca debe vestir de esmoquin, aunque es aceptable que lo hagan los invitados.

Otra opción elegante: el traje

Aunque el traje no es una prenda de etiqueta propiamente dicha, es una opción perfectamente válida para una boda, tanto para el novio como para los invitados. En bodas de mañana el traje indicado es el azul marino y el gris marengo, tanto liso como de raya diplomática fina.

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Para bodas de tarde, lo más adecuado es el traje azul marino, gris marengo o negro, preferentemente de estambre liso o lana fría en verano. Es conveniente que en bodas de tarde el novio evite los trajes de rayas. La camisa más adecuada siempre es la blanca con puño doble de gemelo. En todos los casos, el traje debe acompañarse de zapatos negros de hebilla o de cordones, que pueden ser modelo oxford o derby. Los calcetines deben ser negros o del mismo color que el traje, aunque de un tono más oscuro.

 

Para bodas de tarde, lo más adecuado es el traje azul marino, gris marengo o negro, preferentemente de estambre liso o lana fría en verano.

 

Fuera de los meses de pleno verano, el traje puede llevarse con chaleco, convirtiéndolo así en más elegante. El chaleco puede ser tanto recto como cruzado si se busca una mayor sofisticación. Deberá ser del mismo tejido que el traje, aunque se puede elegir de color gris perla o beige en el caso de que el traje sea liso. Estas últimas opciones sólo deben ser utilizadas por el novio.

Conclusiones para un gran día

El novio es quien marca el protocolo de la etiqueta en una boda. El traje es una opción totalmente válida. Si se opta por una prenda de etiqueta, la mejor opción es el chaqué en bodas religiosas y el smoking en las civiles.

Imprescindible para el novio: camisa blanca de puño doble con gemelos, corbata y zapatos negros de cordones (pueden ser de hebilla si se lleva traje).

Sobre los padres y los testigos: es conveniente que vayan como vista el novio, pero no más formal que él.

Si la boda es religiosa, el novio nunca debe vestir de esmoquin, pero sí es aceptable que lo haga el resto de invitados. En este caso, se debe indicar en la invitación “etiqueta”.[:ca]trajes de novio barcelona

Un matrimoni sempre és motiu de joia. Des de temps ancestrals és un dia festiu, que pares i nuvis converteixen en un esdeveniment inoblidable. Les fotos. El ram. L’ambient o el menú… Hi ha un munt de detalls a tenir en compte. I la manera de vestir és una de les més importants. Ha d’estar en consonància amb el context cultural i social de la parella. I és bo saber que existeixen certes regles a seguir.

És el nuvi qui marca el protocol. Tot i que avui en dia no sol imposar-se als convidats l’etiqueta rigorosa, sí que és convenient que la vesteixin els pares dels nuvis, els testimonis i els convidats més propers. Es pot reflectir aquesta flexibilitat a la invitació, tot indicant “jaqué o vestit” o bé, “etiqueta o vestit fosc”. Per exemple, que el nuvi vesteixi jaqué i a la invitació només es citi vestit fosc no es considera incorrecte. Tan sols s’ha d’informar als convidats més propers de com han de vestir. D’aquesta manera, s’evita comprometre a la resta.

La distinció del jaqué

Tot i que va néixer a Anglaterra al XVIII el nom prové del francès jaquette. Al principi es confeccionava en colors variats i portava brodats. A mitjans del XIX, fruit del puritanisme anglès sota el regnat de la reina Victòria, apareix en la forma actual més sòbria. La versió anglesa, la més usada internacionalment, exigeix que la jaqueta sigui negra. No obstant, en la francesa, la jaqueta és en color gris marengo. Si en un casament es volen dur les dues versions, és convenient que el nuvi i el pare de la núvia duguin el gris marengo, deixant el negre per a la resta de convidats.

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A totes dues versions l’armilla, peça imprescindible en el jaqué, pot ser recta o creuada, gris perla, beix o crua, tot i que es pot optar per versions més agosarades en tons pastel. En el jaqué negre també es pot portar una armilla del mateix teixit amb un rivet de piqué blanc, tot i que s’hauria de reservar per a les cerimònies solemnes.

Així doncs, cal evitar vestir-lo en els casaments, especialment per part del nuvi. En els mesos d’estiu i en els casaments amb festes a l’aire lliure o en carpes, l’armilla pot ser de lli. En aquest cas serà beix, crua o bé en un to pastel, opció sens dubte més suggerent però igualment elegant.

El pantaló del jaqué ha de ser de ratlles, sent més correcte pels adolescents una franel·la d’un gris mig. La camisa ha de ser blanca, de coll normal i puny doble de botons de puny, acompanyada de corbata i, sempre, de tirants. Per tant, prescindirem del cinturó.

Las sabates seran únicament negres i de cordons, preferentment el model oxford abans que el derby. El model oxford és el més elegant i es caracteritza per tancar a la perfecció un cop cordat, de manera que només s’aprecia la part superior de la llengüeta.

No obstant, en el model derby, les dues orelles es corden deixant una distància entre elles per on es veu la llengüeta. Tot i així, resulta més còmode per a les persones amb una empenya alta. Si volem ser ortodoxes, el jaqué és una peça que s’ha de portar en cerimònies que es facin al matí. No obstant, el seu ús social s’ha estès essent acceptable portar-lo a la tarda.

Existeix una altra versió on les tres peces són en un gris mig. Aquesta s’ha de dur exclusivament pel matí. Si és en un casament, convé que la vesteixin preferentment el nuvi i els pares dels contraents. Si el nuvi volgués vestir el jaqué a la cerimònia, és recomanable que els convidats més propers, especialment els pares dels nuvis i testimonis també el portin. Els altres convidats també poden portar-lo, o bé fer servir un vestit fosc.

El frac, màxima etiqueta

El frac és el vestit masculí de màxima etiqueta i potser el més elegant. Al igual que el jaqué, adopta la forma i color negre definitiu a mitjans del s.XIX a Anglaterra. S’ha de portar quan el protocol ho demani. En la invitació constarà rigorosa etiqueta, frac o white tie.

A Catalunya, igual que en altres llocs d’Europa, hi ha una llarga tradició de vestir-lo en casaments. Haurà de ser una cerimònia de tarda-nit i, preferentment, dins la ciutat i en un lloc tancat, és a dir ni a l’aire lliure o sota una carpa. S’aconsella que el pares dels nuvis vagin igualment de frac, mentre que la resta de convidats poden vestir frac, esmòquing o vestit fosc. En una mateixa cerimònia mai es barrejaran jaqués i fracs.

El frac s’acompanya amb armilla i llacet de piqué blanc. La camisa serà blanca amb pitrera de piqué i botonada especial, punys de botó de puny i coll d’aleta. De la mateixa manera, es porta amb tirants i les sabates seran negres de cordons model oxford. Poden dur-se escarpins de xarol, però han caigut en desús. En actes acadèmics l’armilla ha de ser negra igual que el llaç.

L’ esmòquing, vestits per a la festa

És la peça apropiada per a festes i celebracions de nit. A la invitació hi constarà esmòquing, etiqueta o black tie. Es vesteix per primer cop l’any 1886 en el club del Tuxedo Park de Nova York, pel dandy Griswold Lorillard, Grizzy. Els americans l’anomenen Tuxedo i els anglesos li diuen dinner jacket.

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La forma original era amb les solapes en punta, tot i que als anys trenta va aparèixer la solapa xal. No necessita armilla si és creuat , si és recte s’ha de portar amb faixa o armilla, que pot ser del mateix teixit que la jaqueta o de fantasia. La faixa sempre s’ha de portar amb els plecs amunt. El llaç i la faixa han de ser negres, si són d’un altre color, totes dues peces han de ser iguals. Ha de dur-se amb camisa blanca de puny doble de botó de puny, amb botonada especial i amb coll d’aleta o normal.

Normalment, l’esmòquing es confecciona en color negre encara que es pot fer en blau nit. El primer esmòquing blau nit va ser portat als anys 20 per qui després seria el duc de Windsor. Com ell mateix ho va definir, amb llum artificial es veu més negre que el mateix negre. L’esmòquing de jaqueta blanca es reserva per a festes d’estiu, a l’aire lliure o per creuers.

Si el casament és religiós, el nuvi mai no ha de vestir d’esmòquing, tot i que ho poden fer els seus convidats. El vestit, una altra opció elegant Tot i que el vestit no és en sí mateix una peça d’etiqueta, és una opció perfectament vàlida per a un casament, tant per al nuvi com per als convidats.

El vestit, una altra opció elegant

Tot i que el vestit no és en sí mateix una peça d’etiqueta, és una opció perfectament vàlida per a un casament, tant per al nuvi com per als convidats. Per a casaments que es celebrin al matí, el vestit indicat és el blau marí i el gris marengo, tant llis com de ratlla diplomàtica fina. Per a casaments de tarda els adients són el blau marí, el gris marengo o el negre, preferentment d’estam llis o llana freda a l’estiu. En aquests casaments, és recomanable que el nuvi eviti els vestits de ratlles.

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La camisa més adequada és la blanca amb puny doble de botons de puny. En tots els casos, el vestit s’ha d’acompanyar amb sabates negres de sivella o de cordons. En aquest darrer cas, tant poden ser model oxford com derby. Els mitjons han de ser negres o del mateix color que el vestit encara que en un to més fosc.

Fora dels mesos de ple estiu, el vestit pot dur-se amb armilla, convertint-lo així en més elegant. L’armilla pot ser recta, o creuada si es vol una opció més sofisticada. Haurà de ser del mateix teixit que el vestit, tot i que també es pot optar pel gris perla o el beix, en el cas que el vestit sigui llis. Aquestes últimes opcions només haurien de ser vestides pel nuvi.

Conclusions per un gran dia:

En un casament, és el nuvi qui marca l’etiqueta.

El vestit és una opció perfectament vàlida. Si opteu per una peça d’etiqueta, la millor opció és el jaqué en el cas de casament religiós i l’esmòquing en el civil.

Imprescindible per al nuvi: Camisa blanca de puny doble amb botons de puny, corbata i sabates negres de cordons (la sivella és una opció en el cas de portar vestit).

Sobre els pares i els testimonis: És recomanable que vesteixin segons marqui el nuvi, pero mai més formal que ell.

Si el casament és religiós, el nuvi mai ha de vestir d’esmòquing, tot i que és acceptable que ho faci la resta de convidats. En aquest cas, s’ha d’indicar a la invitació “etiqueta”.[:en]Go to the groom selection

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A marriage is always a reason for happiness. For years it has been a festive day that fathers and grooms make an unforgettable event. The pictures, the bouquet, the environment or the menu… There are many details to take into account, and the way that the groom and his guests dress is one of the most important ones. It must be according to the cultural and social context of the couple. And it is good to know that there are some rules that are convenient to follow. The groom determines the protocol.

Although currently dress codes are not usually imposed strictly on the guests, the parents of the couple, the witnesses and the closest guests should follow it. This flexibility can be reflected in the invitation, indicating «morning suit or suit» or «formal or dark suit». For example, if the groom wears a morning suit and the invitation solely mentions dark suit it is not considered incorrect. Informing the closest guests about how to dress is enough. That way, compromising the rest of the guests is avoided.

The distinction of the morning suit

It was born in England in the XVII century. In the beginning it was made in varied colors and was worn with embroideries. In the middle of the XIX century, its current more serious form appeared, due to the British puritanism under the rule of Queen Victoria. The English version, the most internationally widespread, demands the jacket to be black. However, in the French version, the jacket is charcoal gray. If a wedding is to have both, the groom and the bride´s father should wear charcoal gray and the rest should wear black.

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In both versions the vest, indispensable in a morning suit, can be straight or double-breasted, pearl gray, beige or ecru, and one can also opt for more daring versions in pastel tones. With a black morning suit a matching vest with a white cotton rim can be worn, but it should be reserved for solemn ceremonies. Therefore, it should be avoided in weddings, especially by the groom.

In the summer months and in outdoor weddings the vest can be made of linen. In this case it will be beige, ecru or some pastel tone, a more suggestive but equally elegant option. The pants must be striped, but in teenagers it is more correct to wear a medium gray flannel.

The shirt must be white, with a regular neck and double cuffs with cufflinks, accompanied by a tie and always with suspenders. Due to this, we will forego the belt. The shoes will only be black and with laces, preferable Oxford before Derby. The Oxford model is more elegant and is characterized by closing perfectly when it is tied, so only the top part of the tongue shows. In the Derby model, both sides of the shoe are tied with a distance between them through which the tongue is visible. In spite of this, it is more comfortable for whoever has arched feet.

If we want to be strict, the morning suit should only be worn in ceremonies that take place in the morning. However, it´s social use has expanded so it is perfectly acceptable to wear it in the afternoon. There is another version where the three pieces are made in medium gray but it must be worn exclusively in the morning. If the groom wanted to wear a morning suit in his wedding ceremony, the closest guests, especially the parents of the couple and the witnesses, should wear it too. The rest of the guests can either wear it or wear a dark suit.

Maximum etiquette: the tailcoat

The tailcoat is the most formal men´s suit and perhaps the most elegant. Like the morning suit, it takes it definite shape and black color in the middle of the XIX century in England. It must be worn when protocol dictates so. The invitation will indicate rigurous etiquette, tailcoat or «white tie».

In Catalunya, like in many other parts of Spain, there is a long tradition of wearing it in weddings. It must be an evening/night ceremony, preferable in the city and in a closed space, not outdoors or in a tent. The spouses´ fathers should also wear a tailcoat, while the rest of the guests can wear a tailcoat, tuxedo or dark suit. Tailcoats and morning suits should never mis in the same ceremony.

The tailcoat is worn with a vest and a white piqué bowtie. The shirt will be white with a piqué front and special buttons, cufflinks and classic neck. It is also worn with suspenders and the shoes will be Oxford black shoes with laces. It can also be worn with patent leather booties but their use has decayed. In academic events the vest must be black as well as the bow.

The tuxedo, dressed for the party

It is the appropriate clothing for parties and night celebrations. The invitation will indicate tuxedo, etiquette or «black tie». It appeared in 1886 in the club of Tuxedo Park in New York worn by the dandy Griswold Lorillard, Grizzy. The Spanish call it smoking and the British call it dinner jacket.

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The original form had pointed lapels and in the 1930s the version with wrap lapels appeared. It doesn´t need a vest if it is double-breasted, but if it is straight it must be worn with a waistband or a vest, that can be of the same fabric or fantasy. The waistband must always be worn with the folds facing upwards. Bowtie and waistband must be black and if they are of a different color, they must be equal.

It is worn with a white shirt with double cuffs and cufflinks, with special buttons, with a pointed or a normal neck. Usually the tuxedo is black but it can also be midnight blue. The first midnight blue tuxedo was worn in the 1920s by the then future Windsor duke. As he himself defined it, with artificial light is looks blacker than black itself. The tuxedo with a white jacket is reserved for summer outdoor parties or for cruises. If the wedding is religious, the groom must never wear a tuxedo, but it is acceptable for the guests to do it.

Another elegant option: the suit

Although the suit is not formal clothing per se, it is a perfectly valid option for a wedding, both for the groom and the guests. In morning weddings the appropriate suit is navy blue or charcoal gray, plain or pinstriped.

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For afternoon weddings, the most adequate suit is navy blue, charcoal gray or black, preferably in worsted or cool wool in the summer. In afternoon weddings the groom should avoid striped suits. The most adequate shirt is always the white one with cufflinks. In any case, the suit must be accompanied by black buckle shoes or with laces, that can be Oxford or Derby. The socks must be black or the same color of the suit, but darker.

Outside the summer months, the suit can be worn with a vest, making it more elegant. The vest can be straight as well as double-breasted if you are looking for more sophistication. It must be of the same fabric as the suit, but you can choose between pearl gray or beige in the case that the suit is plain. These last two options can only be worn by the groom.

Conclusions for a great day

It is the groom who sets the protocol for the wedding´s dress code. The suit is a completely valid option. If you opt for formal clothing, the best option is the morning suit in religious weddings and the tuxedo in the civil ones.

Imprescindible para el novio: camisa blanca de puño doble con gemelos, corbata y zapatos negros de cordones (pueden ser de hebilla si se lleva traje).

Indispensable for the groom: white shirt with double cuffs with cufflinks, tie and black shoes with laces (they can have buckles if a suit is worn).

For the fathers and guests: it is convenient that they dress like the groom, but not more formal than him.

If the wedding is religious, the groom must never wear a tuxedo, but it´s acceptable for the rest of the guests to do so. In this case, the invitation must indicate «etiquette».

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RESUMEN PASARELAS FW17: Toda la moda de hombre para este otoño 2017 – 2018

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Like at the start of every year, men’s runways welcome us, presenting a peek of what’s coming for next fall. Although it is still some months away, if there’s something we can say it is that  there is a renewed approach in men’s fashion, with scenes that range from contemporary sport style to utilitarian clothing and luxury classics.

From London to Paris, passing Milan, we have made a summary of the most remarkable in the runways of men’s fashion for the 2017 fall.

Milan – New proposals for fall

Milan received editors, shoppers and fashion fans a few days ago. Firms such as Berluti, Etro and Dsquared2 presented their proposals for next fall.

Berluti

Berluti

Haider Ackermann made his debut as Berluti‘s designer. The challenge was to maintain the spirit of the Italian brand, without stopping to be himself. And he has overcome it. HE has been able to keep a balance between the brand’s essence and the designer’s character. Ackermann has known how to stay true to his roots using sumptuous materials like velvet, bottle green tones and a somewhat nomadic style with accessories. At the same time he has respected Sartori’s legacy with classic and impeccable silhouettes, but with his characteristic stamp. As the brand itself has described it, the key to creating such a successful collection was pure synergy.

Dsquared2

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The brothers Dean and Dan Caten, at the head of  DSQUARED2 , presented their proposal for fall in Milan paying tribute to their home country: Canada. Both men and women’s fashion walked the runway for this collection; with oversized sweaters for him, cropped and cut-out for her. Paisley and tartan prints, garments with padding and lined with sheepskin, overall, looks that clearly alluded to the northern giant with a renewed and very attractive spirit. There was also a place for their iconic jeans, with distressed details and folded leg cuffs.

Etro

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Etro‘s 100% Italian spirit was also part of Milan’s men’s fashion week. On this occasion its inspiration was the mountain and the Himalayas, with garments destined to those looking for an adventure. Etro presented its classic and colorful paisley prints and sweaters with mountain landscape and animal motifs, even two Scottish kilts. Outerwear complemented each look, such as capes, coats and double-breasted jackets in velvet and with checkered prints. A colorful and eclectic collection, 100% Etro.

Paris – Fall in large brands

Paris presented the bulk of the enshrined brands’ runways. Among them, Valentino, Givenchy and Lanvin.

Valentino

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Valentino is leading the way, commanded by Pierpaolo Piccioli. «Men have changed much more than women in the pst two decades. This collection is based on the idea of the English gentleman. A gentleman is characterized by grace, which is an expression of liberty. Expressing fragility is the new strength.» These words by Piccioli define the collection ideally and are reflected especially in the wide range of outerwear presented. In contrast to past collections, we don’t see camouflage pint, and instead of it we can fin a color palette ranging from pink and mint to English tartan. In terms of footwear, each model wore a different style, representing the individuality that Piccioli looks for in his designs.

Lanvin

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Backstage Lanvin Men's Fall 2017

Lanvin presents a collection that, unlike what we have been previously seeing in runways (logos, branding, collaborations), is about what is important in the eyes of its creative director Lucas Ossendrijver: the clothes. There are no meanings, no collaborations, no prints, and no art. There is no decoration. In exchange, Ossendrijver delights us with a collection based on the importance of the cut and the proportions. An expression of his own through fabric and technique, where a few marks have been left through the production process that, without being a written logo, act as a hallmark.

Givenchy

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This fall’s proposal gets Givenchy out of its usual darkness and «finds light», as Riccardo Tisci, creative director of the brand for the past nine years, puts it. A collection of reds, blues and whites, full of details. He has even included animal skin garments and structured coats with decorated buttons. The designer moves away from the broad shoulders trend that we saw in the spring collections and focuses on lengthening silhouettes, using fluid superposed clothing and tighter pants. As a representative of the new «status shirt» for the season we will see sweaters with their iconic stars and drawings that seem taken from a Kibuki Japanese mask or an American totem, that will undoubtedly be fetiche pieces for its followers.

Acne Studios

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With the spirit that characterizes it, Jonny Johnsson present recently a new collection for Acne Studios inspired by Keanu Reeves, the famous 90s actor. His clothing has that decade’s formal air with the characteristic beauty and game of shapes and silhouettes that the designer usually reflects in his collections. Oversized lapels, pinstriped suits, neoprene and cashmere are some of the keys of this collection. It has an air that reminds us of the great Giorgio Armani and Max Mara, who definitely shaped design in these years, which Johnsson interpreted skillfully.

Balenciaga

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The last collection of the week in Paris, Demna Gvasalia’s for Balenciaga. «My work is always close to reality. Honest. This is what is happening around us», says the designer about his collection for next fall. His clothing seems comfortable at plain sight and is thought out for all body types and ages, maintaining a formal but not rigid air. In fact, models of different ages participated in the runway, proving that point. Winks to the current political situation could be perceived, like Balenciaga’s logo redesigned in red, white and blue and appeared proudly in scarves and sweatshirts. In terms of footwear, Balenciaga releases a new model, the Triple-S sneaker, with its thick multicolored sole.[:ca]DSC01684-copie-820x550

Com cada inici d’any, les passarel·les masculines ens donen la benvinguda, presentant un avanç del que ve per a la tardor. I tot i que encara queden alguns mesos, si hi ha alguna cosa que podem dir, és que pel que fa a moda d’home de tardor, hi ha un enfocament renovat, amb escenes que van del sport contemporani a la roba d’estil utilitari i clàssics de luxe.

De Londres a París, passant per Milà, hem volgut fer un repàs d’allò més destacat de les passarel·les en moda d’home per a aquesta tardor 2017.

Milà – Noves propostes per a la tardor

Milà ha rebut a editors, compradors i seguidors de la moda fa uns dies. Cases com Berluti, Etro i Dsquared2 han presentat les seves propostes per a la tardor.

Berluti

Berluti

Haider Ackermann ha fet el seu debut com a dissenyador de Berluti. El repte era mantenir l’esperit de la firma italiana, sense deixar de ser ell mateix. I ho ha aconseguit. Ha sabut mantenir un equilibri entre l’essència de la marca i el caràcter del dissenyador. Ackermann ha sabut mantenir-se fidel a les seves arrels usant materials sumptuosos com el vellut, tons verds ampolla i l’estil una miqueta nòmada dels complements. Al mateix temps ha respectat el llegat de Sartori amb siluetes clàssiques i impecables, però tot amb el seu segell característic. Com ho ha descrit la pròpia casa, la clau per a crear tan reeixida col·lecció ha estat sinergia pura.

Dsquared2

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Els germans Dean i Dan Caten, al capdavant de Dsquared2, han presentat a Milà la seva proposta per a la tardor fent un homenatge al seu país d’origen: Canadà. Una col·lecció en la qual van desfilar peces tant masculines com femenines; amb jerseis oversize per a ell, crop i amb obertures per a elles.Estampats paisley i tartan, peces amb farcit i folrades de pell d’ovella, en resum, looks que eren una clara al·lusió al gegant del nord i amb un esperit renovat i molt atractiva. Els seus icònics texans també van tenir cabuda, amb detalls trencats i baixos recollits.

Etro

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L’esperit 100% italià de Etro també va ser part d’aquesta passada setmana de la moda masculina a Milà. En aquesta ocasió la inspiració ha estat la muntanya i l’Himàlaia, amb peces destinades a aquells que busquen l’aventura. Etro ha presentat des dels seus clàssics i colorits estampats paisley, fins jerseis amb motius de paisatges muntanyosos i animals i fins i tot dos kilts escocesos. Peces exteriors complementaven cada look, com capes, abrics i jaquetes creuades en vellut i de quadres. Una col·lecció acolorida i eclèctica, 100% Etro.

París – Otoño en grandes marcas

París, per la seva banda, presenta el gruix de les passarel·les de les marques consagrades. Entre elles Valentino, Givenchy o Lanvin.

Valentino

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Al capdavant de les presentacions, es troba Valentino, sota el comandament de Pierpaolo Piccioli. «Els homes han canviat molt més que les dones en les últimes dues dècades. Aquesta col·lecció es basa en la idea del gentleman anglès. I un gentleman es caracteritza per la gentilesa, que és, una expressió de la llibertat. Expressar la fragilitat és la nova fortalesa «. Aquestes paraules de Piccioli, defineixen la col·lecció de manera idònia i es reflecteixen sobretot en la gran varietat de peces exteriors que presenta. A diferència de col·leccions passades, en aquesta col·lecció no veiem el print de camouflage per exemple, i en canvi veiem una paleta de colors que van des del rosa i el mint, fins als tons del tartan anglès. Pel que fa a calçat, els models portaven un estil diferent cada un, representant la individualitat que cerca Piccioli en els seus dissenys.

Lanvin

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Backstage Lanvin Men's Fall 2017

Lanvin per la seva banda presenta una col·lecció que, a diferència del que hem estat veient en les passarel·les (logos, branding, col·laboracions), es tracta simplement del que, per al seu director creatiu, Lucas Ossendrijver és important: la roba. No hi ha significats, no hi ha col·laboracions, ni prints, ni art. No hi ha decoració alguna. A canvi, Ossendrijver delecta amb una col·lecció basada en la importància del tall, el patronatge i la proporció. Una expressió pròpia a través del teixit i la tècnica, en la qual s’han deixat petites empremtes del procés de construcció que, sense ser un logotip escrit, són un senyal d’identitat.
Per a aquesta col·lecció Lanvin presenta vestits amb jaquetes creuades, pantalons de silueta folgada, teixits nobles com la llana i el lli i una paleta de colors que inclou negre, marins, verds foscos, marrons i crus.

Givenchy

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Després de nou anys al capdavant de Givenchy, la proposta per a aquesta tardor, surt del seu habitual foscor i «troba la llum» com el mateix Riccardo Tisci, director creatiu de la marca, ho diu. Una col·lecció de vermells, blaus i blancs, plena de detalls. Ha inclòs també peces de pell i abrics estructurats amb botons decorats. El dissenyador s’allunya de la tendència d’espatlles amples que hem vist en les col·leccions de primavera, i es concentra en allargar les siluetes, usant peces fluides, sobreposades i pantalons de tall més aviat estret. Com a representant de la nova «status t-shirt» per a la temporada: veurem jerseis amb els seus icòniques estrelles i dibuixos que semblen trets d’una màscara Kibuki japonesa o un tòtem americà, que seran sens dubte, peces fetitxe per als seus seguidors.

Acne Studios

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Amb l’esperit que el caracteritza, Jonny Johnsson ha presentat recentment una nova col·lecció per Acne Studios inspirada, segons les seves pròpies paraules, en Keanu Reeves, el cèlebre actor dels 90s. Les seves peces tenen l’aire formal d’aquesta dècada amb la característica bellesa i el joc de formes i siluetes que el dissenyador sol plasmar en les seves col·leccions. Pestanyes oversized, ratlles diplomàtiques, neoprè i caixmir, són algunes de les claus d’aquesta col·lecció. Una col·lecció amb aires que recordaven a grans com Giorgio Armani o Max Mara, qui ens van donar forma al disseny d’aquests anys, i Johnsson certament ho ha sabut interpretar.

Balenciaga

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I com a última col·lecció imperdible d’aquesta setmana a París, la de Demna Gvasalia per Balenciaga. «La meva feina és sempre sobre la realitat. Honest. Això és el que està passant al nostre voltant «, diu el dissenyador sobre la seva col·lecció per a la tardor. Les seves peces a simple vista semblen còmodes i estan pensades per a tots els tipus de cossos i totes les edats, mantenint un aire formal però sense ser rígid. De fet, a la passarel·la van participar models de diferents edats, provant aquest punt. Es van poder apreciar també referències a la situació política mundial, com el logo de Balenciaga redissenyat en vermell, blanc i blau que apareixia orgullós en bufandes i dessuadores. Pel que fa a calçat, Balenciaga llança un nou model, el sneaker Triple-S, amb la seva sola vasta i multicolor.[:es]DSC01684-copie-820x550

Como cada inicio de año, las pasarelas masculinas nos dan la bienvenida, presentando un avance de lo que viene para el próximo otoño. Y a pesar de que aún quedan algunos meses, si hay algo que podemos decir, es que en lo que respecta a moda de hombre de otoño, hay un enfoque renovado, con escenas que van del sport contemporáneo a la ropa de estilo utilitario y clásicos de lujo.

De Londres a París, pasando por Milán, hemos querido hacer un repaso de lo más destacado de las pasarelas en moda de hombre para el otoño 2017.

Milán – Nuevas propuestas para otoño

Milán ha recibido a editores, compradores y seguidores de la moda hace unos días. Casas como Berluti, Etro y Dsquared2 han presentado sus propuestas para el próximo otoño.

Berluti

Berluti

Haider Ackermann ha hecho su debut como diseñador de Berluti. El reto era mantener el espíritu de la firma italiana, sin dejar de ser él mismo. Y lo ha logrado. Ha sabido mantener un equilibrio entre la esencia de la marca y el carácter del diseñador. Ackermann ha sabido mantenerse fiel a sus raíces usando materiales suntuosos como el terciopelo, tonos verdes botella y el estilo un tanto nómada de los complementos. Al mismo tiempo ha respetado el legado de Sartori con siluetas clásicas e impecables, pero todo con su sello característico. Como lo ha descrito la propia casa, la clave para crear tan exitosa colección ha sido sinergia pura.

Dsquared2

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Los hermanos Dean y Dan Caten, a la cabeza de Dsquared2, han presentado en Milán su propuesta para el otoño haciendo un homenaje a su país de origen: Canadá. Una colección en la que desfilaron prendas tanto masculinas como femeninas; con jerseys oversize para él, crop y con aberturas para ellas. Estampados paisley y tartan, prendas con relleno y forradas de piel de oveja, en resumen, looks que eran una clara alusión al gigante del norte y con un espíritu renovado y muy atractiva. Sus icónicos tejanos también tuvieron cabida, con detalles rotos y bajos recogidos.

Etro

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El espíritu 100% italiano de Etro también fue parte de esta pasada semana de la moda masculina en Milán. En esta ocasión la inspiración ha sido la montaña y el Himalaya, con prendas destinadas a aquellos que buscan la aventura. Etro ha presentado desde sus clásicos y coloridos estampados paisley, hasta jerseys con motivos de paisajes montañosos y animales e incluso dos kilts escoceses. Prendas exteriores complementaban cada look, como capas, abrigos y chaquetas cruzadas en terciopelo y a cuadros. Una colección colorida y ecléctica, 100% Etro.

París – Otoño en grandes marcas

París, por su parte, presenta el grueso de las pasarelas de las marcas consagradas. Entre ellas Valentino, Givenchy o Lanvin.

Valentino

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A la cabeza de las presentaciones, se encuentra Valentino, bajo el mando de Pierpaolo Piccioli. “Los hombres han cambiado mucho más que las mujeres en las últimas dos décadas. Esta colección se basa en la idea del gentleman inglés. Y un gentleman se caracteriza por la gentileza, que es, una expresión de la libertad. Expresar la fragilidad es la nueva fortaleza”. Estas palabras de Piccioli, definen la colección de manera idónea y se reflejan sobre todo en la gran variedad de prendas exteriores que presenta. A diferencia de colecciones pasadas, en esta colección no vemos el print de camouflage por ejemplo, y en cambio vemos una paleta de colores que van desde el rosa y el mint, hasta los tonos del tartán inglés. En cuanto a calzado, los modelos llevaban un estilo diferente cada uno, representando la individualidad que busca Piccioli en sus diseños.

Lanvin

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Backstage Lanvin Men's Fall 2017

Lanvin por su parte presenta una colección que, a diferencia de lo que hemos estado viendo en las pasarelas (logos, branding, colaboraciones), se trata simplemente de lo que, para su director creativo, Lucas Ossendrijver es importante: la ropa. No hay significados, no hay colaboraciones, ni prints, ni arte. No hay decoración alguna. A cambio, Ossendrijver deleita con una colección basada en la importancia del corte, el patronaje y la proporción. Una expresión propia a través del tejido y la técnica, en la que se han dejado pequeñas huellas del proceso de construcción que, sin ser un logo escrito, son una seña de identidad.
Para esta colección Lanvin presenta trajes con chaquetas cruzadas, pantalones de silueta holgada, tejidos nobles como la lana y el lino y una paleta de colores que incluye negro, marinos, verdes oscuros, marrones y crudos.

Givenchy

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Después de nueve años al frente de Givenchy, la propuesta para este otoño, sale de su habitual oscuridad y “encuentra la luz” como el mismo Riccardo Tisci, director creativo de la marca, lo dice. Una colección de rojos, azules y blancos, plagada de detalles. Ha incluido también prendas de piel y abrigos estructurados con botones decorados. El diseñador se aleja de la tendencia de hombros amplios que hemos visto en las colecciones de primavera, y se concentra en alargar las siluetas, usando prendas fluidas, sobrepuestas y pantalones de corte más bien estrecho. Como representante de la nueva “status shirt” para la temporada: veremos desde jerseys con sus icónicas estrellas hasta dibujos que parecen sacados de una máscara Kibuki japonesa o un tótem americano, que serán sin duda, piezas fetiche para sus seguidores.

Acne Studios

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Con el espíritu que lo caracteriza, Jonny Johnsson ha presentado recientemente una nueva colección para Acne Studios inspirada, según sus propias palabras, en Keanu Reeves, el célebre actor de los 90s. Sus prendas tienen el aire formal de esa década con la característica belleza y el juego de formas y siluetas que el diseñador suele plasmar en sus colecciones. Solapas oversized, rayas diplomáticas, neopreno y cashmere, son algunas de las claves de esta colección. Una colección con aires que recordaban a grandes como Giorgio Armani o Max Mara, quienes definitivamente dieron forma al diseño de esos años, y Johnsson ciertamente lo ha sabido interpretar.

Balenciaga

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Y como última colección imperdible de esta semana en París, la de Demna Gvasalia para Balenciaga. “Mi trabajo es siempre acerca de la realidad. Honesto. Esto es lo que está pasando a nuestro alrededor”, dice el diseñador acerca de su colección para el próximo otoño. Sus prendas a simple vista parecen cómodas y están pensadas para todos los tipos de cuerpo y todas las edades, manteniendo un aire formal pero sin ser rígido. De hecho, en la pasarela participaron modelos de diferentes edades, probando ese punto. Se pudieron apreciar guiños a la situación política, como el logo de Balenciaga rediseñado en rojo, blanco y azul que aparecía orgulloso en bufandas y sudaderas. En cuanto a calzado, Balenciaga lanza un nuevo modelo, el sneaker Triple-S, con su suela vasta y multicolor.[:]

UN POP-UP AL MÁS PURO ESTILO ‘EFFORTLESS CHIC’

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If there’s a term to define the spirit of the french brand Equipment, it would definitely be «effortless chic». And it has landed in Santa Eulalia with a new pop-up.

This new corner inside our store is dedicated to the spring-summer 2017 collection, introducing timeless designs, but most of all, true to its legacy. The new designs, with their unmistakeable androgynous shapes, their colors and characteristic prints reflect an indisputable chic touch and discreet sensuality. Equipment is pure sophistication embodied in luxurious materials and thorough details on each one of its pieces, the perfect style for the strong, chic and elegant woman.

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The french brand has once again trusted the savoir-faire and expert taste of the iconic model Kate Moss for a new collaboration. The new capsule collection pays hommage to the glam-rock decade, which comes as no surprise due to the strong connection of the former model to music. This time, again with David Bowie -a close friend to Kate- in mind, she was inspired by ‘Ziggy Stardust’, fifth album of the recently disappeared star, and edited in 1972. The capsule celebrates him and his music, reflecting this subtle tribute by using psychedelic stars, jade and coral tones, silky shirts with masculine-inspired silhouettes and a sexy yet sophisticated flair. This collection truly captures the model’s rock n’ roll style and delivers easy to wear, 100% pure ‘French chic’ pieces.

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A pop-up with with a minimalistic flair, in which clothes are the main feature and the only accessories are to large framed pictures of the current campaign. Details that are more than enough to capture the spirit of the brand,

Visit and explore this pop-up and the most recent capsule by Kate Moss, available until march, 7 inside our shop in Paseo de Gracia9, 93.

Un pop-up con aires minimal, en el cual las prendas son las protagonistas y son complementadas por dos grandes retratos de la actual campaña, es suficiente para captar al completo el espíritu de la firma.

Le invitamos a visitarnos y descubrir esta moderna colección en nuestra tienda de Paseo de Gracia, 93, que estará disponible hasta el 7 de marzo. ¡Equipment le espera![:ca]POP-UP-EQUIPMENT_004

Si hi ha una frase que descrigui l’esperit de la firma francesa Equipment, definitivament seria «effortless chic». I ha aterrat a Santa Eulàlia amb un nou pop-up.

Aquest nou espai està dedicat a la proposta primavera-estiu 2017 de la marca, amb una col·lecció que es presenta atemporal i innovadora, però sobretot fidel al seu llegat. La nova línia de camises de siluetes andrògines però amb un indiscutible toc chic, emana una discreta sensualitat a través de les seves siluetes, colors i els seus característics estampats. L’esperit de Equipment és sofisticació pura plasmada en materials de luxe i detalls sorprenents en cadascuna de les seves peces. El rang de prints que ofereix complementa totes les facetes de la dona Equipment que és fort, chic, elegant, aventurera, sexy i sobretot, clàssica.

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Com en la col·lecció anterior, l’etiqueta francesa ha comptat amb la icònica model, i ara dissenyadora, Kate Moss per crear una nova càpsula que ret homenatge a la dècada glam rock. En el seu imaginari es troba ‘Ziggy Stardust’, cinquè àlbum del desaparegut -i amic proper de la model- David Bowie i editat l’any 1972. La col·lecció li ret un subtil tribut amb les seves estrelles psicodèliques i els seus tons matisats en color jade i coral i els seus sedoses camises amb siluetes d’inspiració masculina però amb un toc sofisticat i molt sexy. Aquesta càpsula, igual que l’anterior, reflecteix fidelment l’estil totalment rock n ‘roll de Kate Moss i ofereix una proposta fàcil de portar però que destaca pels seus aires 100% French chic.

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Un pop-up amb aires minimal, en el qual les peces són les protagonistes i són complementades per dos grans retrats de l’actual campanya, és suficient per captar al complet l’esperit de la signatura.

El convidem a visitar-nos i descobrir aquesta moderna col·lecció a la nostra botiga de Passeig de Gràcia, 93, que estarà disponible fins al 7 de març. ¡Equipment l’espera![:es]POP-UP-EQUIPMENT_004

Si hay una frase que describa el espíritu de la firma francesa Equipment, definitivamente sería “effortless chic”. Y ha aterrizado en Santa Eulalia con un nuevo pop-up.

Este nuevo espacio está dedicado a la propuesta primavera-verano 2017, con una colección que se presenta atemporal e innovadora, pero sobre todo fiel a su legado. La nueva línea de camisas de siluetas andróginas pero con un indiscutible toque chic, emana una discreta sensualidad a través de sus cortes, colores y sus característicos estampados. El espíritu de Equipment es sofisticación pura plasmada en materiales de lujo y detalles sorprendentes en cada una de sus piezas. El rango de prints que ofrece complementa todas las facetas de la mujer Equipment que es fuerte, chic, elegante, aventurera, sexy y sobre todo, clásica.

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Como en la colección anterior, la etiqueta francesa ha contado con la icónica modelo, y ahora diseñadora, Kate Moss para crear una nueva cápsula que rinde homenaje a la década glam rock. En su imaginario se encuentra ‘Ziggy Stardust’, quinto álbum del desaparecido -y amigo cercano de la modelo- David Bowie, editado en el año 1972. La colección le rinde un sutil tributo con sus estrellas psicodélicas y sus tonos matizados en color jade y coral y sus sedosas camisas con cortes de inspiración masculina pero con un toque sofisticado y muy sexy. Esta cápsula, al igual que la anterior, refleja fielmente el estilo totalmente rock n’ roll de Kate Moss y ofrece una propuesta fácil de llevar pero que destaca por sus aires 100% French chic.

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Un pop-up con aires minimal, en el cual las prendas son las protagonistas y son complementadas por dos grandes retratos de la actual campaña, es suficiente para captar al completo el espíritu de la firma.

Le invitamos a visitarnos y descubrir esta moderna colección en nuestra tienda de Paseo de Gracia, 93, que estará disponible hasta el 7 de marzo. ¡Equipment le espera![:]