MARK CROSS, LA HISTORIA DETRÁS DE UN BOLSO ICÓNICO

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Detrás de cada bolso icónico siempre hay una historia. Pero no todos pueden presumir de un pasado con más de 170 años y en el que han participado personajes de la talla de Picasso o Hemingway –excepto si se trata de un bolso Mark Cross.

bolsos de mujer

Mark Cross Company fue fundada en 1845 en Boston, Massachusetts por Henry Cross bajo la única premisa de fabricar lo mejor en sillas de montar y arneses de piel. Más tarde, la compañía fue adquirida por Patrick Murphy, quien abrió tiendas en Londres y Nueva York. Murphy se encargó de introducir complementos de piel y otros productos exclusivos, dando acceso por primera vez a lujos hasta entonces desconocidos por el mercado estadounidense.

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Gerald Murphy, heredero de la compañía, tenía un talento especial para el arte y la belleza, más que para los negocios. Antes de hacerse cargo de la empresa, fue más bien conocido por llevar una vida legendaria al lado de su esposa, la heredera Sara Sherman Wiborg. Después de vivir en París por un tiempo, se establecieron en Villa America, su residencia en Cap d’Antibes, al sur de Francia. Ahí se dedicaron a entretener a célebres personajes de la llamada “Generación Perdida” de la talla de Ernest Hemingway, hasta el antes mencionado Pablo Picasso, los Fitzgeralds y su antiguo compañero en Yale, el cantante Cole Porter. Se dice incluso que F. Scott Fitzgerald modeló a los personajes de su novela “Tender is the Night”, Dick y Nicole Diver, basándose en la encantadora pareja.

bolsos de mujer

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En 1934, Gerald se hizo cargo de la marca, ampliando la oferta e incluyendo maletas, cigarros e incluso bolsos de noche. Uno de ellos tiene una aparición incluso en la película “Rear Window” de Alfred Hitchcock, en la que Grace Kelly guarda su ropa en un Mark Cross, creado por el mismo Gerald Murphy.

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El renacimiento de Mark Cross

Después de su cierre en la década de los 90, en 2011 Mark Cross resucita, y continúa produciendo sus piezas en las mismas fábricas en Italia que los célebres originales. De estética un tanto vintage y claramente inspirada en sus propios archivos, los nuevos diseños de Mark Cross tienen ahora una visión más moderna. Eso sí, la firma conserva tanto su legado artesanal como artístico, así como los mejores materiales para continuar creando best sellers como la Grace Box pero también atreviéndose con nuevos diseños.

Los bolsos de mujer de Mark Cross estarán disponibles en Santa Eulalia a partir de esta temporada en nuestra tienda de Paseo de Gracia, 93 y en santaeulalia.com. [:ca]Darrere de cada bossa icònica sempre hi ha una història. Però no tots poden presumir d’un passat amb més de 170 anys i en el qual han participat personatges de la talla de Picasso o els Fitzgeralds -excepte si es tracta de Mark Cross.

bolsos de mujer

Mark Cross Company va ser fundada el 1845 a Boston, Massachusetts per Henry Cross sota l’única premissa de fabricar el millor en cadires de muntar i arnesos de pell.

Més tard, la companyia va ser adquirida per Patrick Murphy, qui va obrir botigues a Londres i Nova York introduint complements de pell i altres productes exclusius, donant accés per primera vegada a luxes fins llavors desconeguts pel mercat nord-americà.

Gerald Murphy, hereu de la companyia tenia un talent especial per a l’art i la bellesa, més que per als negocis. Però abans de fer-se càrrec de la companyia, va ser més aviat conegut per portar una vida llegendària al costat de la seva esposa, Sara Sherman Wiborg, una rica hereva. Després de viure a París per un temps, es van establir en Vila Amèrica a Cap d’Antibes, al sud de França a on es van dedicar a entretenir cèlebres personatges de l’anomenada “Generació Perduda”. Eren els glamurosos anys 20 i en Vila Amèrica desfilaven des de Ernest Hemingway, fins als abans esmentats Pablo Picasso, els Fitzgeralds i el seu antic company a Yale, Cole Porter. Es diu fins i tot que F. Scott Fitzgerald va modelar els personatges de “Tender is the Night”, Dick i Nicole Diver, basant-se en la bonica parella.

El 1934, Gerald es va fer càrrec de la marca Mark Cross, ampliant l’oferta i incloent maletes, cigars i fins i tot bosses de nit, tenint una aparició fins i tot en la llegendària pel·lícula “Rear Window”  d’Alfred Hitchcock, en la qual Grace Kelly guarda la seva roba en un Mark Cross, creat pel mateix Gerald Murphy.

Després del seu tancament en la dècada dels 90, el 2011 Mark Cross ressuscita produint les seves peces en les mateixes fàbriques a Itàlia que els cèlebres originals. D’estètica una mica vintage i clarament inspirada en els seus propis arxius, la nova col·lecció de Mark Cross té ara una visió més moderna. Això sí, la signatura segueix conservant tant el seu llegat artesanal com artístic, així com la millor qualitat en els seus materials per continuar creant els seus best sellers com la Grace Box i també atrevir-se amb nous dissenys.

Les bosses de dona de Mark Cross estaran disponibles a Santa Eulàlia a partir d’aquesta temporada a la nostra botiga de Passeig de Gràcia, 93 i a la nostra botiga online  www.santaeulalia.com.

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Behind every iconic handbag there’s always a story. But not everyone can claim to have more than 170 years of history in which personalities like Picasso or Hemingway were part of –unless you’re talking about a Mark Cross handbag.

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Mark Cross Company was founded in 1845 in Boston, Massachussetts by Henry Cross under the only premise of making the finest equestrian leather goods. Later, the company changed hands and was acquired by Patrick Murphy, who opened stores in London and New York. Murphy was in charge of introducing other leather accessories and exclusive products, giving access for the first time to luxuries yet unknown to the American market.

bolsos de mujer

Gerald Murphy, heir to the company, had a special talent for art and beauty more than for business. Before taking over, he was vastly known for living a legendary life next to his wife, Sara Sherman Wiborg, a rich American heiress. After living in Paris for a while, they moved to Cap d’Antibes, in Southern France and settled in Villa America, where they entertained some of the most famous personalities of the «Lost Generation» like Ernest Hemingway, the before mentioned Pablo Picasso, the Fitzgeralds and Cole Porter, old Yale colleague. It’s said that F. Scott Fitzgerald modeled the characters of his famous novel «Tender is the Night», Dick and Nicole Diver, after the charming couple and their friends.

bolsos de mujer

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In 1934, Gerald took over the company, expanding the offer and including suitcases, cigars and even evening purses. One of them even made an appearance in Alfred Hitchcock’s celebrated movie «Rear Window», in which Grace Kelly puts her clothes inside a Mark Cross, a handbag created exclusively for the movie by the own Gerald Murphy.

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The renaissance of Mark Cross

After permanently closing in the 90s, in 2011 Mark Cross is reborn, and starts producing their pieces again in the same Italian factories where the originals were made. With a rather vintage aesthetic and clearly inspired by the brand’s own archives, the new Mark Cross designs have a modern approach. But at the same time, the house preserves their artisan and artistic heritage, as well as the use of the best materials to continue producing best-sellers like the ‘Grace Box’, but also bringing new designs to the market.

Mark Cross women’s handbags will be available in Santa Eulalia starting this season in our boutique in Paseo de Gracia and online at santaeulalia.com.[:]

AZZEDINE ALAÏA, ‘EL ESCULTOR DE LA MODA’

[:es]

“Cuando veo prendas bonitas, siento el deseo de quedármelas, de preservarlas… la ropa, como la arquitectura y el arte, refleja una era.” –Azzedine Alaïa.

Azzedine Alaïa ha sido definido por muchos como el escultor que modela figuras humanas, un genio creador que con sus vestidos ha desafiado el paso del tiempo. El maestro Alaïa fue siempre un modisto entregado, un amante incondicional de la moda de mujer y un gran perfeccionista. Un gran couturier que supo manejar la aguja con la precisión de un cirujano y del cual se dice que reinventó la silueta femenina y marcó la estética de los años 80.

Tunecino de nacimiento, comenzó trabajando como asistente de modistos antes incluso de graduarse y pronto empezó a recibir sus primeros encargos de parte de clientas enamoradas de su visión y su habilidad para potenciar la belleza del cuerpo femenino. A finales de los 50 decide trasladarse al epicentro de la moda, París, donde empezó a trabajar para grandes casas como Christian Dior, Guy Laroche y Thierry Mugler.

En la década de los 70 abre un pequeño atelier en el barrio de Le Marais, en el que casi en la intimidad empieza a confeccionar diseños para la créme de la créme de la sociedad parisina. Su primera colección es presentada a principios de los años 80, compuesta por prendas realizadas en piel, uno de los materiales que mejor sabía trabajar, con un indiscutible toque sexy y siluetas que redefinían el cuerpo y a la vez lo transformaban.

ESTILO PROPIO

La maison Alaïa es una de las casas más complejas de la industria. Una casa que no se rige bajo las agendas ni los ritmos de las fashion week (de hecho, fue sacado del calendario oficial en 1992), y que presenta sus colecciones cuando considera que están listas, sin prisas ni presiones. Azzedine Alaïa siempre fue un duro crítico de la rapidez y la voracidad con la que el mercado de la moda se mueve.

«Yo entiendo este oficio de un modo distinto al del resto de casas.» confesó en una reciente entrevista. «Mi forma de crear se parece más al modelo antiguo, el de un couturier que coge las tijeras en su taller con su pequeño equipo de colaboradores».

moda mujer

Su talento extraordinario y el apetito insaciable de la moda por sus diseños hicieron que produjera algunas de las piezas más icónicas del mundo de la moda. Sus habilidades de corte y su capacidad de dominar siluetas imposibles, así como su pasión y carácter único, alérgico a la farándula y amante del arte y la belleza, han hecho a Alaïa popular durante décadas, siendo incluso en la actualidad, toda una inspiración para muchos. [:ca]

«Quan veig peces boniques, sento el desig de quedar-me-les, de preservar-les … la roba, com l’arquitectura i l’art, reflecteix una era.» –Azzedine Alaïa.

Azzedine Alaïa, ha sigut definit per molts com l’escultor que modela figures humanes i que amb els seus vestits ha desafiat el pas del temps. El mestre Alaïa va ser sempre un modista entregat, un amant incondicional de la moda i un gran perfeccionista. Un gran couturier que va saber gestionar l’agulla amb la precisió d’un cirurgià i del qual es diu que va reinventar la silueta femenina i va marcar l’estètica dels anys 80.

Tunisià de naixement, va començar treballant com a assistent de modistes abans fins i tot de graduar-se i aviat va començar a rebre els seus primers encàrrecs de part de clientes enamorades de la seva visió i la seva habilitat per a potenciar la bellesa del cos femení. A la fi dels 50 decideix traslladar-se a l’epicentre de la moda, París, on va començar a treballar per a grans cases com Christian Dior, Guy Laroche i Thierry Mugler.

A la dècada dels 70 obre un petit atelier al barri de Le Marais, en el qual gairebé en la intimitat comença a confeccionar dissenys per a la crème de la crème de la societat parisenca. La seva primera col·lecció és presentada a principis dels anys 80, composta per peces realitzades en pell, un dels materials que millor sabia treballar, amb un indiscutible toc sexy i siluetes que redefinien el cos i alhora el transformaven.

ESTIL PROPI

La maison Alaïa és una de les cases més complexes de la indústria. Una casa que no es regeix sota les agendes ni els ritmes de les fashion week (de fet, va ser tret del calendari oficial el 1992), i que presenta les seves col·leccions quan considera que estan llistes, sense presses ni pressions. Azzedine Alaïa sempre va ser un dur crític de la rapidesa i la voracitat amb què el mercat de la moda es mou.

«Jo entenc aquest ofici d’una manera diferent del de la resta de cases.» Confessava en una recent entrevista. «La meva forma de crear s’assembla més al model antic, el d’un couturier que agafa les tisores al seu taller amb el seu petit equip de col·laboradors».

El seu talent extraordinari i la gana insaciable de la moda pels seus dissenys van fer que produís algunes de les peces més icòniques del món de la moda. Les seves habilitats de tall i la seva capacitat de dominar siluetes impossibles, així com la seva passió i caràcter únic, al·lèrgic a la faràndula i amant de l’art i la bellesa, han fet a Alaïa popular durant dècades, sent fins i tot en l’actualitat, tota una inspiració per molts. [:en]

«When I see beautiful garments, I feel the need to keep them, to preserve them… clothes, as architecture and art, reflect an era.» –Azzedine Alaïa.

Azzedine Alaïa has been defines as many as a sculptor that models human figures, a genius creator that with his clothes has defied the pass of time. Master Alaïa was always a devoted designer, an inconditional lover of fashion and a great perfectionist. A great couturier who knew how to handle a needle with the precision of a surgeon and whom is said to have reinvented the feminine silhouette, and set the aesthetics of the 80s.

Born in Tunisia, he started working as dress-maker assistant even before graduating, and soon he started receiving his first commissioned work from women who were in love with his vision and ability to enhance the beauty of the feminine body. At the end of the 50s he decides to move to the epicenter of fashion, Paris, where he started working for great fashion houses such as Christian Dior, Guy Laroche and Thierry Mugler.

During the 70s he opens a small atelier in the neighborhood of Le Marais, where practically in private he started tailoring designs for the créme de la créme of Parisian society. His first collection is presented at the beginning of the 80s, and it was formed by pieces made in leather, one of the materials he knew how to work best, and an unquestionable sexy touch with daring silhouettes that redefined the body and at the same time transformed it.

STYLE OF HIS OWN 

The maison Alaïa is one of the most complex houses in the industry. A house that is not governed by any agenda nor the rythm of fashion weeks (in fact, it was taken out of the official calendar in 1992), and which presents its collections when its considered they’re ready, without any rush or pressure. Azzedine Alaïa was always a critic of the speed and voracity with which the fashion markets moves.

«I understand this profession in a different way from the rest of the houses.» he recently confessed in an interview. «Mi way of creating is more similar to the old-fashioned way, that of a couturier that picks up his scissors in his atelier with his small team of collaborators».

His extraordinary talent and the insatiable appetite of fashion for his designs led him to create some of the most iconic pieces in the world of fashion. His cutting abilities and capacity to master impossible silhouettes, his passion and unique character, allergic to the world of celebrities and gossip, an art and beauty lover, have made Alaïa popular for decades, being even nowadays, an inspiration for many.[:]

DOS MUSEOS PARA YVES: El eterno recuerdo

[:es]

Yves Saint Laurent demostró en vida ser un genio. Ser eterno significa adelantarse al tiempo en el que se vive, rompiendo las reglas imperantes y llegando al límite que los demás no descifran. Posicionarse en vanguardia conlleva la posibilidad de que las balas te alcancen.

Parte esencial del hecho creativo consiste en provocar. YSL lo hizo: vistió a las mujeres de cuadros de Mondrian, les puso el smoking, traje por excelencia de caballeros para hacerlas más femeninas, las hizo parecer aventureras en el desierto y las envolvió con transparencias que no dejaban lugar a la imaginación.

Posó para anunciar su colonia Pour Homme (1971) desnudándose integralmente para descubrirnos que el mejor olor es la piel. Pierre Bergé, el hombre que le acompañó en su nerviosa y difícil vida heredó su imperio, sus colecciones y su recuerdo. Era un diletante y experto en negocios. También el que sostuvo sin pausa el talento de Yves. Cuando murió, ese compañero de vida le dedicó el libro más hermoso que pueda escribirse tras una difícil y compleja relación de casi 50 años. Después de subastar todas las obras de arte que compraron juntos, recaudando 373,9 millones, considerada la colección privada más valiosa de la historia. Poco antes de fallecer, Pierre se casó con el decorador Madison Cox vicepresidente de la Fundación y heredero de todo el legado después del fallecimiento de Bergé.

DOS SEDES PARA EL LEGADO DE UN GENIO

Para recordar el legado de Saint Laurent, se han inaugurado los Yves Saint Laurent museos. En París en el 5, avenue Marceau, la mansión Second Empire donde Yves Saint Laurent trabajó desde 1974 hasta el final de su carrera. En ella se presentará un lado acogedor, íntimo, muy “casa de alta costura”. El lugar tiene el encanto congelado de la historia en un momento en que todo se está acelerando y los grandes de la moda se decantan por lo contemporáneo y el marketing de lo “último”. Aquí se preservará la memoria y el recuerdo. Será una sede para estudiosos de la moda con sus patrones, sus dibujos además de sus fetiches, ese espacio poseerá “el aire y aura” del Saint Laurent que persiste. Como aseguró Bergé, que vivió con dos artistas “Nada reemplaza la sensación fantástica de tocar la historia del dedo”.

El otro en Marrakech, la ciudad elegida por la pareja para pasar mucho tiempo, en la calle Yves-Saint- Laurent, cerca del jardín de Majorelle que el modisto y Pierre Bergé compraron en 1980, y al lado de la villa del pintor oriental Oasis dónde vivieron. Los jardines Majorelle que son de obligada visita, fueron restaurados por Madison Cox, por lo que termina por ser un círculo perfecto, que se cierra en homenaje a un genio y al amor. Construido en ladrillo y granito de Tetuán, fue inaugurado el 14 de octubre por la esposa del rey Mohammed VI, Lalla Salma, la actriz Catherine Deneuve y Marisa Berenson. Es un centro cultural, con salas de exposición, auditorio para 150 personas, biblioteca, librería y café, dispone de 4.000 metros cuadrados para exhibir, conservar y restaurar las obras que se expongan. También hay un museo bereber en el que se presentan las colecciones personales del Saint-Laurent. El museo marroquí marcará la función, mientras que el parisiense debe preservar el lado original es decir “el concepto y forma”.

Su vida como la de tanto genios, estuvo alimentada de mucho talento más algunas sustancias y amores prohibidos. La inspiración le pillaba trabajando, y los números de la empresa de Saint-Laurent son espectaculares: facturó más que la Renault con su propia firma (YSL) y el 50 % de las exportaciones de moda en Francia eran de DIOR mientras él la dirigió. Como lema de toda una vida juntos decidieron “transformar nuestros recuerdos en proyectos”. No se pierdan esos jardines Majorelle y la Fundación, son recuerdos eternos, y espectáculos para amantes de la belleza.[:ca]

Yves Saint Laurent va demostrar en vida ser un geni. Ser etern significa avançar-se al temps en què es viu, trencant les regles imperants i arribant al límit que els altres no desxifren. Posicionar-se en avantguarda comporta la possibilitat que les bales t’assoleixin.

Part essencial del fet creatiu consisteix a provocar. YSL ho va fer: va vestir a les dones de quadres de Mondrian, els hi va posar l’esmòquing, vestit per excel·lència de cavallers per fer-les més femenines, les va fer semblar aventureres al desert i les va embolicar amb transparències que no deixaven lloc a la imaginació.

 

Va posar per anunciar la seva colònia Pour Homme (1971) despullant-se integralment per descobrir-nos que el millor olor és la pell. Pierre Bergé, l’home que el va acompanyar en la seva nerviosa i difícil vida va heretar el seu imperi, les seves col·leccions i el seu record. Era un diletant i expert en negocis. També el que va sostenir sense pausa el talent de Yves. Quan va morir, aquest company de vida li va dedicar el llibre més bell que pugui escriures després d’una difícil i complexa relació de gairebé 50 anys. Després de subhastar totes les obres d’art que van comprar junts, recaptant 373.900.000, considerada la col·lecció privada més valuosa de la història. Poc abans de morir, Pierre es va casar amb el decorador Madison Cox, vicepresident de la Fundació i hereu de tot el llegat després de la mort de Bergé.

DUES SEUS PER EL LLEGAT D’UN GENI

Per recordar el llegat de Saint Laurent, s’han inaugurat dues seus. A París al 5, avenue Marceau, la mansió Second Empire on Yves Saint Laurent va treballar des de 1974 fins al final de la seva carrera. Aquesta seu es presentarà amb un tó acollidor, íntim, molt, “casa d’alta costura”. El lloc té l’encant congelat de la història en un moment en què tot s’està accelerant i els grans de la moda es decanten pel contemporani i el màrqueting de «l’últim». Aquí es preservarà la memòria i el record. Serà una seu per a estudiants de la moda amb els seus patrons, els seus dibuixos, a més dels seus fetitxes, aquest espai posseirà «l’aire i aura» de’Saint Laurent que persisteix. Com va assegurar Bergé, que va viure amb dos artistes «Res reemplaça la sensació fantàstica de tocar la història del dit».

L’altre a Marràqueix, la ciutat triada per la parella per passar molt de temps, al carrer Yves-Saint-Laurent, prop de la llar de Majorelle que el modista i Pierre Bergé van comprar el 1980, i al costat de la vila del pintor oriental Oasis on van viure. Els jardins Majorelle que són d’obligada visita, van ser restaurats per Madison Cox, de manera que acaba per ser un cercle perfecte, que es tanca en homenatge a un geni i a l’amor. Construït en maó i granit de Tetuan, va ser inaugurat el 14 d’octubre per l’esposa del rei Mohammed VI, Lalla Salma, l’actriu Catherine Deneuve i Marisa Berenson. És un centre cultural, amb sales d’exposició, auditori per a 150 persones, biblioteca, llibreria i cafè, disposa de 4.000 metres quadrats per exhibir, conservar i restaurar les obres que s’exposin. També hi ha un museu berber en el qual es presenten les col·leccions personals del Sant-Laurent. El museu marroquí marcarà la funció, mentre que el parisenc ha de preservar la part més original és a dir «el concepte i forma».

La seva vida com la de tants genis, va estar alimentada de molt talent més algunes substàncies i amors prohibits. La inspiració li venia treballant, i els números de l’empresa de Sant-Laurent són espectaculars: va facturar més que la Renault amb la seva pròpia signatura (YSL) i el 50% de les exportacions de moda a França eren de DIOR mentre ell la va dirigir. Com a lema de tota una vida junts van decidir «transformar els nostres records en projectes». No es perdin aquests jardins Majorelle i la Fundació, són records eterns, i espectacles per a amants de la bellesa.[:en]

Yves Laurent demostró en vida ser un genio. Ser eterno significa adelantarse al tiempo en el que se vive, rompiendo las reglas imperantes y llegando al límite que los demás no descifran. Posicionarse en vanguardia conlleva la posibilidad de que las balas te alcancen.

Parte esencial del hecho creativo consiste en provocar. YSL lo hizo: vistió a las mujeres de cuadros de Mondrian, les puso el smoking, traje por excelencia de caballeros para hacerlas más femeninas, las hizo parecer aventureras en el desierto y las envolvió con transparencias que no dejaban lugar a la imaginación.

 

Posó para anunciar su colonia Pour Homme (1971) desnudándose integralmente para descubrirnos que el mejor olor es la piel. Pierre Bergé, el hombre que le acompañó en su nerviosa y difícil vida heredó su imperio, sus colecciones y su recuerdo. Era un diletante y experto en negocios. También el que sostuvo sin pausa el talento de Yves. Cuando murió, ese compañero de vida le dedicó el libro más hermoso que pueda escribirse tras una difícil y compleja relación de casi 50 años. Después de subastar todas las obras de arte que compraron juntos, recaudando 373,9 millones, considerada la colección privada más valiosa de la historia. Poco antes de fallecer, Pierre se casó con el decorador Madison Cox vicepresidente de la Fundación y heredero de todo el legado después del fallecimiento de Bergé.

DOS SEDES PARA EL LEGADO DE UN GENIO

Para recordar el legado de Saint Laurent, se han inaugurado dos sedes. En París en el 5, avenue Marceau, la mansión Second Empire donde Yves Saint Laurent trabajó desde 1974 hasta el final de su carrera. En ella se presentará un lado acogedor, íntimo, muy “casa de alta costura”. El lugar tiene el encanto congelado de la historia en un momento en que todo se está acelerando y los grandes de la moda se decantan por lo contemporáneo y el marketing de lo “último”. Aquí se preservará la memoria y el recuerdo. Será una sede para estudiosos de la moda con sus patrones, sus dibujos además de sus fetiches, ese espacio poseerá “el aire y aura” del Saint Laurent que persiste. Como aseguró Bergé, que vivió con dos artistas “Nada reemplaza la sensación fantástica de tocar la historia del dedo”.

El otro en Marrakech, la ciudad elegida por la pareja para pasar mucho tiempo, en la calle Yves-Saint- Laurent, cerca del jardín de Majorelle que el modisto y Pierre Bergé compraron en 1980, y al lado de la villa del pintor oriental Oasis dónde vivieron. Los jardines Majorelle que son de obligada visita, fueron restaurados por Madison Cox, por lo que termina por ser un círculo perfecto, que se cierra en homenaje a un genio y al amor. Construido en ladrillo y granito de Tetuán, fue inaugurado el 14 de octubre por la esposa del rey Mohammed VI, Lalla Salma, la actriz Catherine Deneuve y Marisa Berenson. Es un centro cultural, con salas de exposición, auditorio para 150 personas, biblioteca, librería y café, dispone de 4.000 metros cuadrados para exhibir, conservar y restaurar las obras que se expongan. También hay un museo bereber en el que se presentan las colecciones personales del Saint-Laurent. El museo marroquí marcará la función, mientras que el parisiense debe preservar el lado original es decir “el concepto y forma”.

Su vida como la de tanto genios, estuvo alimentada de mucho talento más algunas sustancias y amores prohibidos. La inspiración le pillaba trabajando, y los números de la empresa de Saint-Laurent son espectaculares: facturó más que la Renault con su propia firma (YSL) y el 50 % de las exportaciones de moda en Francia eran de DIOR mientras él la dirigió. Como lema de toda una vida juntos decidieron “transformar nuestros recuerdos en proyectos”. No se pierdan esos jardines Majorelle y la Fundación, son recuerdos eternos, y espectáculos para amantes de la belleza.[:]

PACO RABANNE : El otro vasco que revolucionó la moda

[:es]

Lo curioso de Paco Rabanne el gran modisto, no es lo que inventa o lo que hace, sino de dónde procede. Pasajes de San Juan, es un pueblo tan pequeño del País Vasco que solo tiene una calle y se llama Única. En ese lugar sin posibilidad de pérdida ni bulevares, nace Francisco Rabaneda Cuervo, un niño que tiene el mar por horizonte y una madre que es modista principal del taller Balenciaga en San Sebastián.

“En ese pueblo detrás están las montañas, y al frente el mar. Eso da todas las posibilidades. Cuando naces delante del mar, tienes deseos de futuro y de ir tan lejos como puedas”. Así explica Rabanne su inspiración.

Los perfumes y la ropa de Paco Rabanne han adornado a algunas de las mujeres más bellas del mundo durante casi 30 años. De niño, sin embargo, no era ajeno a la conflagración global. Su padre fue fusilado por los fascistas de Franco, escapó con su madre a través de los Pirineos y llegó a Francia justo a tiempo para la invasión nazi, de ahí a donde llego a ser “un obrero del metal” como decía Coco Chanel.

Pero no era un obrero, sino un modisto que consiguió cambiar el mundo de la moda. Después de un ser estudiante de postguerra en la Escuela de Bellas Artes de París, Rabanne trabajó para Balenciaga, Givenchy y Dior, y luego se puso a construir un imperio. Sus perfumes para los hombres y las mujeres fueron un gran éxito, acompañados por una audaz gama de colecciones de alta costura conocidas por el uso pionero de la cadenas, plástico y otros materiales radicales.

Estábamos en 1968, la revolución estaba en la calle; debajo de los adoquines también podía estar la playa y todos pedíamos lo imposible. Aquél no fue sólo un tiempo tumultuoso para la política: también el arte, el cine, la música y la moda se enfrentaron a sus propias revoluciones. Kubrick nos llevó a A Space Odyssey, los Beatles, Stones y Hendrix produjeron obras fundamentales, Norman Mailer fue autor del año, y el mundo del teatro finalmente venció a los censores.

Aquél año se estrenó Barbarella. La película empieza con una Jane Fonda flotando sin gravedad en un traje de baño de vinilo, un pecho casi fuera, todo ese estilismo ideado por un hombre de la moda que jugaba, no siempre con éxito, con materiales sintéticos de la NASA en las pasarelas. Materiales revestidos de plata y discos de PVC y aluminio. Comenzaba la era del plástico.

Decir que Paco Rabanne iba por libre es un eufemismo. Y siempre lo ha sido, porque empieza a diseñar vestidos de metal en los años 60 y por los 90 está prediciendo el fin del mundo. Fue un profeta de la moda. Se le ha llamado futurista, místico, loco, dadaísta, escultor, arquitecto, astrólogo, perfumista, artista. Lo curioso es que afirma haber vivido siete vidas y recuerda vivir tanto como 7.500 años. Un hombre que habla siete idiomas, y que firma licencias de su empresa con la misma facilidad con la que explica no haber querido hacer moda sino revolucionarla. Un modisto que junto con Courreges, cambió el rostro de la moda.

En 1966, presentó su primera colección con vestidos hechos de tiras de plástico y trozos unidos con anillos de metal. No intentaba se pudieran llevar, sino desafiar las nociones burguesas de la moda. Pensó acabar con la limitación de que la tela era el único material. Reemplazó las agujas y el hilo por alicates y anillos, el tejido por plástico y metal.

Rabanne es un tipo espiritual. Lleva chaqueta negra de sacerdote, tiene pelo y barba blancos y ojos muy intensos que parecen mirar dentro de ti. Dicen que vive como un monje – sin posesiones, sin automóvil, sin apartamento de lujo. Su dinero patrocina un hospicio religioso en medio de Francia.

Curiosamente en dos pequeños pueblos pesqueros de Guipúzcoa, nacieron dos modistos que cambiaron la historia de la moda. Uno arquitecto de los cuerpos y otro que siéndolo, quería construir con materiales de su tiempo.

Su madre le decía: «Hijo, en la moda, tienes toda la libertad que deseas, excepto una cosa. No te se permite atacar la belleza de las mujeres”. Lo ha seguido al pie de la letra.[:ca]

El que és curiós de Paco Rabanne el gran modista, no és el que inventa o el que fa, sinó d’on procedeix. Passatges de Sant Joan, és un poble tan petit del País Basc que només té un carrer i s’anomena Única. En aquell lloc sense possibilitat de pèrdua ni bulevars, neix Francisco Rabaneda Cuervo, un nen que té el mar per horitzó i una mare que és modista principal del taller Balenciaga a San Sebastián.

«En aquell poble darrere estan les muntanyes, i enfront del mar. Això dona totes les possibilitats. Quan neixes davant del mar, tens desitjos de futur i d’anar tan lluny com puguis». Així explica Rabanne la seva inspiració.

Els perfums i la roba de Paco Rabanne han adornat a algunes de les dones més belles del món durant gairebé 30 anys. De nen, en canvi, no era aliè a la conflagració global. El seu pare va ser fusilat pels feixistes de Franco, va escapar amb la seva mare a través dels Pirineus i va arribar a França just a temps per la invasió nazi, d’allà a on va arribar a ser «un obrer del metall» com deia Coco Chanel.

Però no va ser un obrer, sinó un modista que va aconseguir canviar el món de la moda. Després de ser un estudiant de postguerra a l’Escola de Belles Arts de París. Rabanne va treballar per a BalenciagaGivenchy y Dior, i després es va posar a construir un imperi. Els seus perfums pels homes i les dones van ser un gran èxit, acompanyats per una audaç gamma de col·leccions d’alta costura conegudes per l’ús pioner de les cadenes, plàstics i altres materials radicals.

Estàvem en 1968, la revolució estava al carrer; sota les llambordes també podia estar la platja i tots demanàvem l’impossible. Aquell no va ser només un temps tumultós per a la política: també l’art, el cinema, la música i la moda es van enfrontar a les seves pròpies revolucions. Kubrick ens va portar a A Space Odyssey, els Beatles, Stones i Hendrix van produir obres fonamentals, Norman Mailer va ser autor de l’any, i el món del teatre finalment van vèncer als censors.

Aquell any es va estrenar Barbarella. La pel·lícula comença amb una Jane Fonda flotant sense gravetat en un vestit de bany de vinil, un pit gairebé fora, tot aquell estilisme ideat per un home de la moda que jugava, no sempre amb èxit, amb materials sintètics de la NASA a les passarel·les. Materials revestits de plata i discs de PVC i alumini. Començava l’era del plàstic.

Dir que Paco Rabane anava per lliure és un eufemisme. I sempre ho ha sigut, perquè començava a dissenyar vestits de metall en els anys 60 i pels 90 està predient la fi del món. Va ser un profeta de la moda. Se l’ha anomenat futurista, místic, boig, dadaista, escultor, arquitecte, astròleg, perfumista, artista. El que és curiós és que afirma haver viscut set vides i recorda viure tant com 7.500 anys. Un home que parla set idiomes, i que firma llicències de la seva empresa amb la mateixa facilitat amb la que explica no haver volgut fer moda sinó revolucionar-la. Un modista que juntament amb Courreges, va canviar el rostre de la moda.

L’any 1966, va presentar la seva primera col·lecció amb vestits fets de tires de plàstic i troços units amb anells de metall. No intentava que es poguessin portar, sinó desafiar les nocions burgeses de la moda. Va pensar acabar amb la limitació del fet que la tela era l’únic material. Va reemplaçar les agulles i el fil per alicates i anells, el teixit per plàstic i metall.

Rabanne és un home espiritual. Porta jaqueta negra de sacerdot, té cabell i barba blanca i ulls molt intensos que semblen mirar dins teu. Diu que viu com un monge – sense possessions, sense automòbil, sense apartament de luxe. Els seus diners patrocinen un hospici religiós en mig de França.

Curiosament en dos petits pobles pescadors de Guipúzcua, van néixer dos modistes que van canviar la història de la moda. Un arquitecte dels cossos i un altre que sent-lo, volia construir amb materials del seu temps.

La seva mare deia: «Fill, a la moda, tens tota la llibertat que desitges, excepte una cosa. No et permet atacar la bellesa de les dones». Ho ha seguit a peu de lletra.[:en]

The thing about Paco Rabanne the great designer, is not what he invents or does, but where he comes from. Pasajes de San Juan, is small town in the Basque country. So small that it has a single street and it’s named ‘Única’, Spanish for ‘the only one’. In that place with no boulevards where to get lost in, Francisco Rabaneda Cuervo was born, a boy that has the sea as a horizon and a mother that is principal seamstress at Balenciaga’s workshop in San Sebastian.

«Behind this town there are the mountains, and straight ahead the sea. That gives you endless possibilities. When you are born in front of the sea, you have desires for the future and of going as far away as you can». This is how Rabanne explained his inspiration.

The perfumes and clothing by Paco Rabanne have graced some of the most beautiful women of the world for almost 30 years. As a boy, however, we was not alien to the global conflagration. His father was shot dead by Franco’s fascist armies, he managed to escape with his mother through the Pyrenees and made it to France just in time for the nazi invasion where he then became a «steelworker» as Coco Chanel said.

But he was no worker, but a dressmaker that managed to change the world. After being a post-war student at Paris École des Beaux Arts, Rabanne worked for Balenciaga, Givenchy and Dior, and then he was set to build his own empire. His perfumes for men and women were a huge success, followed by an audacious range of haute couture collections known for its pioneer use of metal chains, plastic and other radical materials.

It was 1968, and the revolution was on the street; under the cobblestone there was the beach and we all asked for the impossible. Those times were not only tumultuous for politics: but also art, film, music and fashion faced their own revolutions. Kubrick took us into A Space Odyssey, the Beatles, Stones and Hendrix created fundamental pieces, Normal Mailer was named author of the year, and the world of theater finally defeated censorship.

That year Barbarella premiered. The movie starts with Jane Fonda floating with no gravity in a vinyl swimsuit, a breast peeking out, and all that fashion developed by a man that played, not always successfully, with NASA synthetic materials on the catwalk. Silvered covered materials and PVC and aluminum discs. The plastic era had begun.

To say that Paco Rabanne is a free spirit comes as a euphemism. And he always has been, because he started designing metal dresses in the 60s and by the 90s he was predicting the end of the world. He was a prophet of fashion. He has been called futurist, mystic, crazy, dadaist, sculptor, architect, astrologist, perfumer, artist. What is interesting is that he claims to have lived seven lives and remembers having lived as long as 7.500 years. A man that speaks seven languages, and signs licenses for his company with the same ease as he explains he never wanted to make fashion but to revolutionize it. A designer that, alongside Courrèges, changed the face of fashion.

In 1966, he presented his first collection of dresses made with plastic pieces joined by metal rings. He didn’t aimed for them to be worn, but to challenge the bourgeoise notions of fashion. He wanted to end with the limitation of fabric being the only material. He replaced needle and thread for pliers and rims; fabric for plastic and metal.

Rabanne is a spiritual kind. He wears black priest-like jackets, has white hair and beard and intense eyes that seem to look right through you. Some say he lives as a monk -no possessions, no car, no luxury apartment. His money sponsors a religious hospice in the middle of France.

Oddly enough, in two small fishing villages in Guipúzcoa, two designers were born who changed the history of fashion. One, an architect of the bodies and the other, also being one, wanted to build with the materials of his time.

His mother used to say: «Son, in fashion, you have all the freedom you wish, except for one thing. You’re not allowed to attack the beauty of women». He has followed it to the letter.

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El legado de una visionaria, Sonia Rykiel

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PARIS, FRANCE – OCTOBER 03: Models pose on the runway during the Sonia Rykiel show as part of the Paris Fashion Week Womenswear Spring/Summer 2017 on October 3, 2016 in Paris, France. (Photo by Pascal Le Segretain/Getty Images)

Liberadora, visionaria, ícono, pionera, genio, Sonia Rykiel fue una mujer que era inspiración pura. Creadora de una firma que se ha mantenido en nuestros favoritos debido a su versatilidad, a su carácter enérgico y su creatividad, hoy os contamos un poco más acerca de su historia y lo que esta ha representado para el mundo de la moda.

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La firma lleva el nombre de su fundadora, quien el año pasado falleció a los 86 años. Parisina, hija de una rusa y un rumano, Sonia Rykiel era conocida como “la reina del punto.” Las primeras prendas que diseñó fueron jerseys, al darse cuenta de que la ropa para embarazadas de las tiendas de la época no se adaptaban a su silueta. Fue así como nacieron sus icónicos “poor boy sweaters”, o jerseys de chico pobre, dando origen a un estilo propio y a una nueva generación de diseñadores que desafiaban las reglas establecidas del haute couture.

Revolucionó la industria de la moda con el concepto “demodé”, adaptando la moda al cuerpo femenino y no al revés. Sus jerseys llegaron a colarse en armarios como los de Audrey Hepburn, Brigitte Bardot o Catherine Deneuve.

La moda by Sonia Rykiel

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El estilo de la firma lleva la comodidad por bandera: se dirige a una mujer pragmática y relajada que busca el confort. Las prendas están pensadas para mujeres emprendedoras, modernas y activas, pues su confección y tejido ofrece libertad de movimiento. La influencia de Sonia Rykiel es clara en este sentido, la moda de mujer aboga por un seguir camino en el que ir cómoda está por encima de todo.

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En cuanto a su espíritu, el optimismo siempre ha jugado un papel importante en la firma: estampados de rayas y colores vivos junto a las flores y los mensajes en camisetas son las claves de una marca que está llena de luz. Actualmente, se encarga de la firma la hija de Sonia Rykiel, Nathalie, y su directora creativa es Julie de Libran, que tras dejar la sección femenina de Louis Vuitton se puso al frente de la marca, y hasta ahora no ha dejado de sorprendernos.

moda mujerTodas las novedades de Sonia Rykiel para esta temporada las podrás encontrar en nuestra tienda en Paseo de Gracia, 93 y en nuestra e-shop de moda mujer en www.santaeulalia.com[:ca]sonia-rykiel-moda

Alliberadora, visionària, icona, pionera, geni, Sonia Rykiel va ser una dona que era inspiració pura. Creadora d’una firma que s’ha mantingut en els nostres favorits causa de la seva versatilitat, al seu caràcter enèrgic i la seva creativitat, avui us expliquem una mica més sobre la seva història i tot el que aquesta ha representat per al món de la moda.

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Sonia Rykiel at work

La firma porta el nom de la seva fundadora, que l’any passat va morir als 86 anys. Parisenca, filla d’una russa i un romanès, Sonia Rykiel era coneguda com «la reina del punt.» Les primeres peces que va dissenyar van ser jerseis, a l’adonar-se que la roba per a embarassades de les botigues de l’època no s’adaptaven a la seva silueta. Va ser així com van néixer els seus icònics «poor boy sweaters«, o jerseis de noi pobre, donant origen a un estil propi i una nova generació de dissenyadors que desafiaven les regles establertes del haute couture. Va revolucionar la indústria de la moda amb el concepte «demodé«, adaptant la moda al cos femení i no a l’inrevés. Els seus jerseis van arribar a colar-se en armaris com els d’Audrey Hepburn, Brigitte Bardot o Catherine Deneuve.

La moda by Sonia Rykiel

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L’estil de la signatura porta la comoditat per bandera: es dirigeix a una dona pragmàtica i relaxada que cerca el confort. Les peces estan pensades per a dones emprenedores, modernes i actives, ja que la seva confecció i teixit ofereix llibertat de moviment. La influència de Sonia Rykiel és clara en aquest sentit, la moda advoca per seguir un camí en el que la comoditat està per sobre de tot.

Quant al seu esperit, l’optimisme sempre ha jugat un paper important en la marca: estampats de ratlles i colors vius al costat de flors i missatges en samarretes, són les claus d’una casa que està plena de llum. Actualment, s’encarrega de la firma la filla de Sonia Rykiel, Nathalie, i la seva directora creativa és Julie de Lliuren, que després de deixar la secció femenina de Louis Vuitton es va posar al capdavant de la marca, i fins ara no ha deixat de sorprendre’ns.

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Sonia Rykiel tribute – Spring 2017

Totes les novetats de Sonia Rykiel per a aquesta temporada les podràs trobar a la nostra botiga al Passeig de Gràcia, 93 i en la nostra e-shop a www.santaeulalia.com.[:en]

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PARIS, FRANCE – OCTOBER 03: Models pose on the runway during the Sonia Rykiel show on October 3, 2016 in Paris, France. (Photo by Pascal Le Segretain/Getty Images)

Liberator, visionary, icon, pioneer, genius, Sonia Rykiel was a woman that embodied pure inspiration. Creator of a firm that has remained in our favorites due to its versatility, energetic character and creativity, today we will tell you a bit more about her history and what she has represented to the fashion world.

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Sonia Rykiel at work

The firm carries the name of its founder, who passed away last year at 86 years of age. Parisian, daughter of a Russian woman and a Romanian man, Sonia Rykiel was known as «the queen of knitwear.» The first two garments she designed were sweaters, when she realized that maternity clothing in stores at the time didn´t adapt to the women´s silhouettes. That is how her iconic «poor boy sweaters» were born, originating a new style and a new generation of designers that challenged the rules established by haute couture. She revolutionized the fashion industry with the «demodé» concept, adapting fashion to women´s bodies and not the other way round. Her sweaters slid into the closets of Audrey Hepburn, Brigitte Bardot or Catherine Deneuve, to name a few.

Fashion by Sonia Rykiel

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The style of the firm has convenience as its flag: it is directed towards a pragmatic and relaxed woman who looks for comfort. The clothing is designed for enterprising women, modern and active, because it´s confection and fabric offers ease of movement. The influence of Sonia Rykiel is clear in this sens, her fashion defends following a path where being comfortable is above everything else.

In terms of her spirit, optimism has always played an important part in the brand: striped prints and vibrant colors next to flowers and T-shirts with messages are the keys of a brand that is full of light. Currently, Sonia Rykiel´s daughter, Nathalie, is in charge of the firm, and its creative director is Julie de Libran who hasn´t  ceased to surprise us after leaving the women´s section of Louis Vuitton and taking over the brand.

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Sonia Rykiel tribute – Spring 2017

You can find all the latest Sonia Rykiel proposals for this season in our store in Paseo de Gracia, 93 and in our e-shop www.santaeulalia.com.[:]

«J Brand para mí es la personificación del ‘effortless chic'»

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For this spring 2017 ad campaign, premium denim brand J Brand Jeans, features the French singer and songwriter, Lou Doillon, shot in London by Boo George and styled by Tabitha Simmons. The campaign focuses on «the girl, the jean and the attitude», representing the emotional, complicated, sensual side of a woman and the fit, silhouette and shape of the jean. Denim becomes fashion and speaks as loud as the clothes she wears them with.

Born into a family of women figures -and muses- such as Jane Birkin and Charlotte Gainsbourg, Lou Doillon is pure rebelliousness. The youngest daughter of Birkin and French filmmaker Jacques Doillon, she tried her luck first as an actress and model until she gave herself into music.

Lou Doillon shares with us the details of her collaboration with J Brand on her second season as the face of the brand.

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“J Brand, for me, embodies the true effortless chic.»

You worked with J Brand on their Fall campaign, can you tell us what we have to look forward to with the Spring collection?

“I was very glad to work with the team again, we had such a good time in NY the first time, that I was thrilled to meet up again in London for the Spring campaign. The spring collection is timeless and chic. The location, the choice of Boo George and Tabitha Simmons absolutely reflected that. Effortless and cool.”

What piece from the collection will you be wearing most this Spring?

“I love denim shirts, as all must haves, it’s often very hard to find the perfect one, and in this collection…there is more than one! And obviously the denim jeans, so many good cuts!”

What has been your favorite part about working with J Brand on this ad campaign?

“My relation with J Brand has been divine and easy, as all good things should be. The core team is generous, always kind, and know how to come up with new collaborators that share the same work ethic and human relations.”

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There are so many denim companies out there today. How does J Brand differ from others on the market?

“J Brand, for me, embodies the true effortless chic: a perfect cut, always soft and comfortable, a statement that leaves room to personal style and singularity. It’s connected to trends, and yet, its not running after them…it’s never dated.”

What do you prefer to wear during a performance?

“When I perform, I don’t want to feel restricted, or dressed up. It needs to be like a second skin. Something I forget and yet, absolutely trust. I’m often in jeans, and boots. I’m quite superstitious…so I need to wear something ill be able to run away in, if everything goes horribly wrong… 🙂 I always have some cash in my back pocked to jump in the tube and go in hiding!”

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Growing up, what was your connection with denim and how has it influenced your style today?

“I was born in denim! My family has always been wearing jeans, and thus growing up I used to wear dresses and trouser to rebel!  Now, I guess I’ve grown out of my teenage self and actually love to wear jeans, and jackets! There is something so strong and simple, in the jeans and t-shirt look, one always comes back to it.”

Starting this month and until May 30th, discover J Brand’s pop-up inside our Barcelona boutique featuring the spring 2017 collection, or go to www.santaeulalia.com and shop the latest styles.[:ca]

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Per a aquesta primavera 2017, la marca de ‘denim premium’ J Brand Jeans, presenta a la cantant i autora francesa Lou Doillon com a rostre de la seva campanya més recent. Fotografiada a Londres per Boo George i Tabitha Simmons com a encarregada de l’estilisme, la campanya se centra en «la noia, el texà i l’actitud», representant el costat més emocional, complicat i sensual de la dona; i el tall, la silueta i la forma dels pantalons. El denim es converteix en moda i la seva veu sona tan potent com les peces que ella vesteix.

Nascuda en una família de figures femenines – i muses – com Jane Birkin i Charlotte Gainsbourg, Lou Doillon és rebel·lia pura. La filla més jove de Birkin i el cineasta francès Jacque Doillon, va provar sort sent model i actriu, fins que va decidir llançar-se a la música, on ha triomfat i està per llançar el seu segon disc.

En aquesta entrevista, l’artista francesa comparteix els detalls de la seva col·laboració amb J Brand en la seva segona temporada com a rostre de la firma.

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Has treballat amb J Brand en la seva campanya de tardor, ¿pots explicar-nos què és el que podem esperar de la col·lecció de primavera?

«Estic molt contenta d’haver treballat amb l’equip una altra vegada, ho hem passat tan bé a NY la primera vegada, que estava encantada de tornar a veure’ns per a la campanya de Primavera. La col·lecció de primavera és atemporal i ‘chic’. La localització, la selecció de Boo George i Tabitha Simmons ho reflecteixen totalment. Senzilla i ‘cool’.

Quina és la peça de la col·lecció que més vas a portar aquesta Primavera?

«M’encanten les camises denim. Com tots els bàsics, és freqüent que costi trobar la peça perfecta, i en aquesta col·lecció … hi ha més d’una! I òbviament els texans, hi ha tants models ideals!»

Quina ha estat la teva part favorita d’haver treballat amb J Brand per a aquesta campanya?

«La meva relació amb J Brand ha estat fàcil i divina, com han de ser totes les coses bones. L’equip és generós, sempre amable i saben com proposar nous col·laboradors que comparteixin la seva mateixa filosofia de treball i de relacions humanes.»

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Hi ha tantes companyies de denim avui dia. Com aconsegueix diferenciar-J Brand de la resta de marques del mercat?

«J Brand, per a mi, és la personificació del veritable effortless chic: tall perfecte, sempre còmodes i de tacte suau, un manifest que deixa espai per l’estil personal i la singularitat. Està connectada a les tendències i, tot i així, no les persegueix … no passen de moda.»

Què acostumes a fer servir durant les teves presentacions?

«Quan actuo, no m’agrada sentir-me limitada, o disfressada. Ha de ser com una segona pell. Usualment porto texans i botes. Sóc bastant supersticiosa … així que necessito portar alguna cosa en el que podria fugir, si tot surt terriblement malament … 🙂 Sempre porto una mica d’efectiu a la butxaca del darrere per pujar-me al metro i amagar-me! »

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Mentre creixies, quin era la teva connexió amb el denim i com ha influenciat el teu estil actual?

«Jo vaig néixer en denim! La meva família sempre ha portat jeans, i mentre creixia solia usar vestits i pantalons per rebel·lar-me! Ara, crec que he passat l’etapa de la meva ‘jo’ adolescent i en realitat m’encanta portar-los! Hi ha alguna cosa en uns texans i una camisa o samarreta que és tan simple i tan fort, que sempre acabes tornant a ells «.

Des d’aquest març fins al 30 de maig, descobreixi el pop-up de J Brand dins de la nostra botiga de Passeig de Gràcia, o entri en www.santaeulalia.com i feu-vos amb els seus estils més recents.[:es]

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Para esta primavera 2017, la marca de ‘denim premium’ J Brand Jeans, presenta a la cantante y autora francesa Lou Doillon como rostro de su más reciente campaña. Fotografiada en Londres por Boo George y Tabitha Simmons como encargada del estilismo, la campaña se centra en «la chica, el tejano y la actitud», representando el lado más emocional, complicado y sensual de la mujer; y el corte, la silueta y la forma de los pantalones. El denim se convierte en moda y su voz suena tan potente como las prendas que ella viste.

Nacida en una familia de figuras femeninas – y musas – como Jane Birkin y Charlotte Gainsbourg, Lou Doillon es rebeldía pura. La hija más joven de Birkin y el cineasta francés Jacque Doillon, probó suerte siendo modelo y actriz, hasta que decidió lanzarse a la música, donde ha triunfado y está por lanzar su segundo disco.

En esta entrevista, la artista francesa comparte los detalles de su colaboración con J Brand en su segunda temporada como rostro de la firma.

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Has trabajado con J Brand en su campaña de otoño, ¿puedes contarnos qué es lo que podemos esperar de la colección de primavera?

«Estoy muy contenta de haber trabajado con el equipo otra vez, lo hemos pasado tan bien en NY la primera vez, que estaba encantada de volver a vernos para la campaña de Primavera. La colección de primavera es atemporal y ‘chic’. La localización, la selección de Boo George y Tabitha Simmons lo reflejan totalmente. Sencilla y ‘cool’.

¿Cual es la pieza de la colección que más vas a llevar esta Primavera?

«Me encantan las camisas denim, como todos los básicos, es frecuente que cueste encontrar la pieza perfecta, y en esta colección… ¡hay más de una! Y obviamente los tejanos, hay tantos modelos ideales!»

¿Cuál ha sido tu parte favorita de haber trabajado con J Brand para esta campaña?

«Mi relación con J Brand ha sido fácil y divina, como deben ser todas las cosas buenas. El equipo es generoso, siempre amable y saben como proponer nuevos colaboradores que compartan su misma filosofía de trabajo y de relaciones humanas.»

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Hay tantas compañías de denim hoy en día. ¿Cómo logra diferenciarse J Brand del resto de marcas del mercado?

«J Brand, para mí, es la personificación del verdadero effortless chic: corte perfecto, siempre cómodos y de tacto suave, un manifiesto que deja espacio para el estilo personal y la singularidad. Está conectada a las tendencias y, aún así, no las persigue… no pasan de moda.»

¿Qué sueles usar durante tus presentaciones?

«Cuando actúo, no me gusta sentirme limitada, o disfrazada. Tiene que ser como una segunda piel. Algo que se me pueda olvidar pero en lo que confío totalmente. Usualmente llevo jeans y botas. Soy bastante supersticiosa… así que necesito llevar algo en lo que podría huir, si todo sale terriblemente mal… 🙂 Siempre llevo algo de efectivo en mi bolsillo trasero para subirme al metro y esconderme!»

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Mientras crecías, ¿cuál era tu conexión con el denim y cómo ha influenciado tu estilo actual?

«Yo nací en denim! Mi familia siempre ha llevado jeans, y mientras crecía solía usar vestidos y pantalón para rebelarme! Ahora, creo que he pasado la etapa de mi ‘yo’ adolescente y en realidad me encanta llevarlos! Hay algo en unos jeans y una camisa o camiseta que es tan simple y tan fuerte, que siempre terminas regresando a ellos».

Desde este marzo hasta Mayo 30, descubra el pop-up de la firma J Brand dentro de nuestra tienda de Paseo de Gracia, o entre en www.santaeulalia.com y hágase con sus estilos más recientes.[:]